Larry Bell

Lavoro di Larry Bell emerse a metà degli anni 1960, ed è spesso incluso in importanti mostre di arte Minimal. Il suo lavoro è stato mostrato nella prima mostra di concentrarsi sulla Minimal art, "strutture primarie", al Jewish Museum nel 1966.

Lavoro di Bell è stata inclusa anche nel Museo del seminale mostra Arte Moderna, "The Responsive Eye" nel 1965. Più recentemente, il lavoro di Bell era ben visibile nel Museo di Arte Contemporanea di spettacolo, "Un futuro Minimal? L'arte come oggetto 1958-1968 ", e discusso a lungo nei saggi del catalogo. Bell è uno degli artisti più importanti e influenti di essere venuto fuori scena artistica di Los Angeles del 1960, prima che mostra presso la Galleria Huysman, e poi a Ferus. Egli si associò con i movimenti più importanti al momento, come la luce e l'arte dello spazio e ciò che è stato descritto come "Fetish Finish" (un termine coniato dal compianto critico John Coplans). Bell ha continuato ad indagare la complessità dei trattamenti superficiali altamente raffinati di vetro, così come installazioni scultoree di grandi dimensioni.

Larry Bell è nato a Chicago nel 1939, e attualmente risiede a Taos, New Mexico. L'artista mantiene ora studio a Taos, New Mexico e Venezia, in California. Essendo cresciuto nella San Fernando Valley, Bell frequenta Chouinard Art School di Los Angeles dal 1957 al 1959, dove è stato allievo di Robert Irwin. E 'stato uno straordinario successo come artista giovane, e ha mostrato regolarmente alla Galleria Pace di New York tra il 1965 e il 1973. Nel settembre del 2005, Pace Wildenstein ha presentato una mostra di opere dal titolo "Larry Bell: Gli anni Sessanta".

Le sue opere sono in collezioni pubbliche di tutto il mondo, tra cui The Museum of Modern Art, New York, The Albright-Knox Gallery, Buffalo; Art Institute of Chicago, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Los Angeles County Museum, Massachusetts Institute of Technology, Cambridge, Museum Ludwig, Colonia, San Francisco Museum of Modern Art, Stedelijk Museum, Amsterdam, la Tate Gallery, Londra; Walker Art Center , Minneapolis, e il Whitney Museum of American Art.

Italia a colori 1861 - 1935

140 immagini - molte delle quali inedite nel nostro Paese - scattate dall’Unificazione agli anni Trenta del Novecento, quando comincia a diffondersi l’uso della pellicola fotografica, raccontano luoghi, persone, paesaggi e la vita quotidiana degli italiani di questo periodo, dal 1861 al 1935.

E’ un viaggio nella nostra storia; una storia nella quale l’evoluzione e la sperimentazione delle tecniche fotografiche si incrociano e si sovrappongono con i cambiamenti rapidi e tumultuosi che una giovane nazione, l’Italia, conosce nel volgere di pochi decenni.

La mostra Italia a colori 1861-1935 è curata da Reinhard Schultz e dal Progetto Storia e memoria della Provincia di Roma; inserita nell’ambito del Progetto ABC ed organizzata da Civita.

L’esposizione raccoglie una prima parte di immagini ad albume o in fotocromia (in cui la colorazione avveniva successivamente allo scatto), mentre, per il periodo successivo al 1907, sono presentate le fotografie scattate direttamente a colori attraverso la tecnica tricromica o autocromica. La maggior parte dei fotografi presentati hanno pubblicato le loro fotografie sull’Italia nella rivista National Geographics (tra questi Luigi Pellerano, Secondo Pia e Ferdinando Fino, ma anche Hans Hildenbrand di cui alcune immagini scattate durante la prima guerra mondiale sono state già presentante dalla Provincia di Roma nel 2009, in occasione della mostra “La guerra a colori. 1914-1918”).

“Italia a colori 1861 – 1935” si rivolge a un pubblico di tutte le età, per offrire al visitatore un approccio per molti aspetti inedito. Spesso, infatti, le immagini o i ricordi del nostro passato - più o meno recente - si associano al bianco e nero che meglio riflette la distanza dagli eventi e la complessità delle memorie. Le foto a colori presentate in questa mostra permettono non solo di osservare frammenti di una Roma e di un’Italia passata, ma anche di sentire più vive e reali quelle stesse immagini che, tramite l’utilizzo del colore, sembrano assumere una nuova forma.

Inaugurazione ed anteprima stampa: 18 novembre 2011 ore 12.00

Data Inizio:18 novembre 2011
Data Fine: 08 gennaio 2012
Costo del biglietto: 6,00 euro
Luogo: Roma, Palazzo Incontro
Orario: tutti i giorni 10-19. Lunedì chiuso
Telefono: 06 32810

Redattore: RENZO DE SIMONE

Estetica - Lucio Battisti

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Zwelethu Mthethwa

La povertà deve essere indegno

Zwelethu Mthethwa è uno degli artisti più noti della generazione di mezzo in Sud Africa.

Nato a Durban nel 1960, ha iniziato la sua carriera come pittore e fotografo durante l'apartheid e la prima ottenuto il riconoscimento verso la fine degli anni '80, dopo una borsa di studio Fulbright gli aveva permesso di trasferirsi a Rochester negli Stati Uniti. Egli divenne noto a livello internazionale attraverso vividi colori pastello e serie fotografiche degli abitanti negli insediamenti poveri.

Una donna è in piedi in una stanza - la sua casa insieme, e sul bordo superiore della foto si vedono tetti in legno ruvido reticoli la capanna. Le pareti sono tappezzate bianco con un disegno sottile di fiori, che in rigonfiamenti posti, tradendo un esame più approfondito da sostituire solo carta.

Anche da vedere è un tavolo rivestito con un panno, un frigorifero i cui fori sono nascoste da pizzo bianco, e qualche foto, una panca e tre delle quattro piante in vaso. La donna indossa un grembiule appena lavati e stirati senza problemi blu e sul suo capo una cuffia maglia bianca. La foto è dovuto memorabile lo sguardo con cui la donna incontra lo spettatore .

 Vacillare uno sguardo tra orgoglio e sicurezza di sé, vulnerabilità, incertezza e la sete di apprezzamento La foto dal titolo 'Senza titolo' è anche da Zwelethu Mthethwa e appartiene ad una serie che questo pittore e fotografo sudafricano ha fatto dal 1998 circa gli abitanti in Paari, un insediamento diffondendo circa 60 km a est di Città del Capo. Nelle foto appare non come una baraccopoli malandato, ma come popolato da immigrati dalle zone interne con pochi soldi ma la dignità, sogni, aspirazioni e volontà persistente verso la felicità. Foto come queste sono tipiche del lavoro di Zwelethu Mthethwa, che per alcuni anni è stato uno degli artisti più noti e apprezzati a livello internazionale dal Sud Africa. Nato a Durban nel 1960, ci è andato alla scuola aperta, che era stata fondata privatamente ed è stato uno dei pochi nella terra dei neri di offrire la possibilità di essere educati nelle belle arti. Ciò ha portato al suo essere uno dei pochi neri nell'era dell'apartheid per passare alla Michaelis School of Fine Art a Cape Town University, dove ha poi ottenuto il diploma nel 1985. Nel 1989 Zwelethu Mthethwa è aggiudicata una borsa di studio Fulbright che ha permesso lui a visitare l'Istituto di Tecnologia di Rochester negli Stati Uniti, poi al suo ritorno in Sud Africa e il suo ex collegio a Città del Capo, è stato nominato come docente poi un socio di ricerca nel 1998. Zwelethu Mthethwa considera la pittura e la fotografia essere ugualmente importante ed è continuamente trasferire nozioni da uno a l'altro campo.

Nelle sue foto le persone ritratte sono posizionati con cura e le forme e le tonalità in modo strettamente composti come le parti di una pittura astratta. D'altra parte i suoi quadri vividi e pastelli recuperare fotografie o foto di scena. Molta gente che, come Zwelethu Mthethwa, sono nati nel o intorno al 1960 è cresciuto con la televisione, così i suoi quadri sembrano essere stati influenzati dalla percezione sequenziale spesso avere una distanza ravvicinata, media e molto più giustapposti che fusi, come se vista in serie .

Negli ultimi anni, Zwelethu Mthethwa Le opere possono essere state esposte in altre mostre di quelli di qualsiasi altro artista sudafricano, essendo stato mostrato in musei e gallerie negli Stati Uniti, Europa, Africa e Asia.
 

John Baldessari , 77 anni.

John Baldessari, 76 anni, ha ridefinito i parametri di arte contemporanea negli ultimi quattro decenni, sfidando le percezioni con un accostamento di pittura, fotografia, film e testi. "Sono sempre stato affascinato dalla lingua e parole", dice. "Mi capita spesso di pensare a me stesso non come un artista, ma come scrittore fallito".

Da ragazzo in California, ha trascorso innumerevoli ore ricostruendo centinaia di rubinetti ha trovato in giro d'affari salvare suo padre. "A volte penso che questo hands-on cosa, prendendo gli oggetti a parte, la pittura e mettendoli insieme in un modo diverso, aveva un sacco di attinenza con la mia arte futuro", osserva. Ha conseguito una laurea in arte presso la San Diego State College nel 1953 e un master quattro anni dopo. Ha trascorso due anni alla Otis e gli istituti Chouinard Art di Los Angeles. Poi, alla fine del 1950, ha insegnato arte per mantenere se stesso come pittore, e condotto un workshop per giovani delinquenti - una esperienza fondamentale. Come insegnante al California Institute of the Arts (CalArts) dal 1970 al 1988, ha influenzato alcuni degli artisti più importanti della prossima generazione nel suo ormai leggendario "Post-Art Studio" corso.

Copyright: © Rolex / Tomas Bertelsen

Didascalia:. Nel suo studio, mentore John Baldessari guarda da vicino alcune pagine bozza del progetto artistico che ha in programma di realizzare con il suo protetto, Alejandro Cesarco
Los Angeles, USA, 2007

Nel 1970, ha bruciato tutto il suo lavoro 1953-1966 per celebrare la sua morte come un pittore. Le ceneri, ricostituito in un libro a forma di urna, divenne un "unico, definibile opera d'arte" - il progetto Cremation - che simboleggia il suo passaggio dalla pittura al linguaggio basato su arte, e al lavoro sperimentale in molti media. I suoi progetti includono libri d'artista, film, web-based progetti, cartelloni e lavori pubblici. Lavoro di Baldessari si è caratterizzato in oltre 120 mostre personali negli Stati Uniti e in Europa, e in più di 300 mostre collettive. Tra i suoi numerosi premi è del 2005 gli americani per le arti, Lifetime Achievement Award.

Hideki Shiozawa

Hideki Shiozawa

Didascalia: Masanori Handa, Protégé, con una delle sue installazioni a sua mostra nella Galleria Kodama.
Tokyo, Giappone, 2008.

DIEGO RIVERA al MOMA

Il Museo d'Arte Moderna
13 Novembre 2011-14 Maggio 2012
Nel dicembre 1931, il Museo d'Arte Moderna montata una grande mostra dei lavori del artista messicano Diego Rivera. E 'stato solo la seconda retrospettiva al Museo, ed era estremamente popolare, rompendo record di presenze nelle sue cinque settimane di run.

Rivera era già una celebrità internazionale. Era la figura più visibile in muralismo messicano, un grande pubblico dell'arte iniziativa che emerse nel 1920 sulla scia della rivoluzione messicana. Ma i suoi murales, per definizione, fissato su un singolo sito era impossibile da trasportare per la mostra.

Per risolvere questo problema, il Museo Rivera ha portato a New York, sei settimane prima dello show ha aperto e lui con uno studio improvvisato in una galleria vuota. C'è, Rivera prodotto cinque "murales portatili"-indipendente affreschi commemorare eventi nella storia messicana, che sono stati rilievo presenti in mostra. Dopo l'inaugurazione, alla grande pubblicità, Rivera ha altri tre murales, assumendo contemporanea argomenti di New York attraverso le immagini monumentali della città durante la Grande Depressione.

La storia di questa commissione straordinaria delucida Rivera ruolo fondamentale nel plasmare i dibattiti sul valore sociale e politico dell'arte pubblica in un periodo di crisi economica.

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Carrie Mae Weems on her series From Here I Saw What Happened and I Cried

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Astrattoconcreto - Il Gruppo degli Otto. MACA (Museo Arte Contemporanea Acri)

A partire da sabato 17 dicembre 2011, il MACA (Museo Arte Contemporanea Acri) presenta un’importante mostra dedicata a una delle esperienze più significative dell’arte italiana del secolo scorso: il Gruppo degli Otto.

In seguito alla spaccatura tra figurativi e astrattisti avvenuta nel 1950 all’interno del Fronte Nuovo delle Arti, due anni dopo, nel 1952, Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso, Giulio Turcato e Emilio Vedova, raccolti attorno al critico Lionello Venturi, costituirono il Gruppo degli Otto – una cerchia di artisti non figurativi che intese aprirsi alle ventate di innovazione estetica che giungevano dall’Europa e dagli Stati Uniti, per superare lo sterile scontro innescatosi tra i paladini rispettivamente di figurazione e astrazione.

« Essi non sono e non vogliono essere degli astrattisti – scrisse Venturi nel manifesto del movimento –; essi non sono e non vogliono essere dei realisti; si propongono di uscire da questa antinomia. […] Adoperano quel linguaggio pittorico che dipende dalla tradizione iniziatasi attorno al 1910 e comprendente l'esperienza dei cubisti, degli espressionisti e degli astrattisti […] Non sono astratti puritani, ma seguono i loro bisogni; l'astrazione non rifiuta il rapporto con la natura ».

A 60 anni dalla formazione del Gruppo degli Otto, il MACA, in collaborazione con De Arte progetti e servizi per l’arte, dedica un’ampia retrospettiva ai suoi protagonisti. Le oltre 30 opere di grande formato che la compongono – di cui alcune testimoniano della partecipazione del gruppo alla Biennale di Venezia del 1952 –, ne ripercorrono la vicenda intensa e ricca di importanti sperimentazioni, dal sorgere della stagione astrattista in Italia, di cui furono tra gli iniziatori, sino agli ultimi capolavori realizzati da questi otto grandi maestri. Alle ispirazioni d’oltre confine, questi artisti aggiunsero una spiccata sensibilità e un attaccamento di stampo vitalistico al mondo concreto, traducendolo in opere tra loro eterogenee, ma comunque legate l’un l’altra dall’esigenza di trovare un punto d’equilibrio nella dicotomia tra astratto e concreto, tra la radicalità del gesto informale e la profondità della vita.

MACA (Museo Arte Contemporanea Acri)

dal 17 dicembre 2011 al 26 febbraio 2012

Shigeru Ban - Mario Botta al MART

Mercoledì 16 novembre ore 18.00

Mart, Sala Conferenze, ingresso libero

È consigliata la prenotazione dal sito:

www.triennaledellegno.it

L’innovatore e il razionalista.

dell’architettura internazionale, saranno i protagonisti di un incontro pubblico al Mart di

Rovereto il 16 novembre 2011.

Il faccia a faccia si svolgerà a partire dalle ore 18.00 nella sala conferenze del Mart e sarà

moderato dalla giornalista

Introducono l’incontro

Autonoma di Trento,

Piccole Imprese della Provincia di Trento e

L’incontro è organizzato dal Mart in collaborazione con la

del Legno

capoluogo trentino dal 14 al 23 ottobre di quest’anno e dedicato al Giappone.

Shigeru Ban e Mario Botta, due dei massimi esponentiSusanna Legrenzi. La partecipazione è libera e gratuita.Franco Panizza, Assessore alla Cultura della ProvinciaRoberto De Laurentis, Presidente dell’Associazione Artigiani eGabriella Belli, Direttore del Mart.Triennale Internazionale, un evento dell'Associazione Artigiani della Provincia di Trento tenutosi nel

Shigeru Ban

Arata Isozaki, fonda nel 1985 la Shigeru Ban Architects. Lo studio di Shigeru Ban

progetta il padiglione giapponese all’Expo di Hannover del 2000 e nel 2003 vince il

concorso per la realizzazione del nuovo Centre Pompidou a Metz.

In un certo senso la carriera professionale di Shigeru Ban si fonda, negli anni Ottanta, da

un generale ripensamento dell’architettura giapponese in seguito alle speculazioni edilizie

e alla crescita inarrestabile delle metropoli del Sol Levante avvenuta durante gli anni

Sessanta e Settanta. In netta controtendenza rispetto alla strada intrapresa dagli architetti

della sua generazione, Shigeru Ban, oltre a cercare linguaggi innovativi, propone da

subito un’architettura basata su materiali a basso costo, riciclabili, ma durevoli. L’uso di

tubi in cartone, sperimentato già dal 1986, simboleggia la forte tensione del progettista

giapponese rivolto alla leggerezza e alla libertà creativa.

La portata innovativa delle tecniche di costruzione sperimentate da Shigeru Ban assunsenasce a Tokyo nel 1957. Dopo studi internazionali e un tirocinio con

The Heidelberg Project

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

TateShots: Vito Acconci

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Mercanzie di Trasalimenti

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Manlio Onorato_trasalimenti

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

San Agostino di Umberto Broccoli

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.