Anselm Kiefer_arte_trasalimenti

NATO NEL 1945 delle Nazioni Unite Donauschingen, in Germania, Alla fine della Seconda Guerra Mondiale, Anselm Kiefer ha studiato arte informale di Joseph Beuys all'Accademia di Düsseldorf nda Primi Anni 1970.

riflette su Kiefer e Critica I Miti e sciovinismo Che Alla fine spinto il Terzo Reich al Potere Tedeschi. I Suoi Dipinti raffigurano ambivalenza della SUA Generazione Verso l'Impulso grandioso Tedeschi del nazionalismo e il Suo Impatto Silla Storia. Il Lavoro di Kiefer saldi costantemente il duplice "" "" scopo di Immagini Potente visivamente e intellettualmente Analisi Critica. Consistenza e storico dell'arte Mark Rosenthal ha scritto di spiritualità Germania Heroes, dipinto delle Nazioni Unite in Cina e sovrapposta Significato storico su Vieni UNA cornice di Significato Personale, Studio EX Kiefer in Rurale scuola Ute

"Più L'opera monumentale del 1973, e L'Ultimo serie di [un] IMPORTANTE, e la Germania Spirituale Heroes. A SEI strisce di tela cucito Insieme, Kiefer ha Linee di Prospettiva per Formare delle Nazioni Unite Profondo spazio teatrale. Lo spettatore e Posto all'ingresso del cavernosa La Stanza, leggermente decentrato, inghiottito Dalle Nubi travi in legno ... L'interno delle Nazioni Unite e tempo Nazioni Unite La monumentale Sala e forno crematorio. Incendi bruciano Eterna Lungo il muro, Vieni Sé memoria NELLA degli individui, ma il Bordo Inferiore del dipinto oscurata e delle Nazioni Unite suggerisce in Modo Che CHE E Firmato Stato. telecamera La altamente infiammabile di Legno e in pericolo di bruciare, ESSA e con la Germania ed i Suoi eroi saranno distrutti ... l 'atteggiamento di Kiefer su UNA Germania il Che Spirituale Eroi Sono, infatti, transitoria e la sentita CUI SONO IDEALI vulnerabi e non solo ambivalenti ma anche graffiante e fortemente ironico ... queste figura Grandi e Le Loro Realizzazioni SONO ridotte solista Nomi Uno, non Registrato in dell' edificio in marmo, Nella mA Soffitta di UNA Scuola Rurale ".

Il Suo Lavoro e Stato Esposto in Musei e Raccolte Principali di Tutto Il Mondo. retrospettiva Recenti mostre includono il Modern Art Museum, Fort Worth (2005) (in Viaggio nel Musée d'Art Contemporain de Montréal, l'Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC, e SF MOMA). NEL 2007 Il Museo Guggenheim di Bilbao ha Presentato UNA Vasta Indagine di Lavori Recenti e Kiefer e Stato ha commissionato per CREARE-SPECIFICO di installazione delle Nazioni Unite Grande Sito di Scultura e Dipinti per la prima edizione del "Monumenta" Al Grand Palais, Parigi. NEL 2007, divenne il Primo Artista Vivente UNO CREARE UNA Installazione Permanente al Louvre Dal Georges Braque NEL 1953. NEL 2009, ha progettato e Diretto IL Insieme per Am Anfang (In the Beginning) all'Opera Nazionale di Parigi.

Kiefer Lavora e vive in Francia.

Mònica Millan_arte_trasalimenti

Lavish e sontuoso, Mónica Millan "giardini" e il flusso di "fiumi", surge, e Torbido. Essi evocano il movimento dell'acqua, regni sotterranei, giardini troppo pieno, pic-nic in riva al mare, lussureggiante giungla tropicale, ma le forme in queste opere non sono naturali, non ce ne sono anche individualmente o botanicamente riconoscibili, e sono realizzati con materiali costruiti, estraneo alla loro oggetto. Millán ha trasformato un mondo naturale in una versione fantastica di se stesso, l'idealizzazione di un bambino di natura, una fiaba, o una pura espressione della libertà della natura. C'è anche un senso, però, di una bellezza presa troppo lontano, a tale estremo da suscitare una corrente sotterranea sinistro di possibile pericolo e di tensione. Come l'artista ha costruito le sue opere in tre dimensioni nello spazio, le incertezze di distanza e di scala evocare il nostro rapporto ambiguo con la natura.

Poi, in piedi indietro ed in una prospettiva più lontana, siamo consapevoli di queste creazioni per il loro artigianato. Sebbene processo Millan implica che agiscono per istinto, il lavoro è chiaramente alta intensità di lavoro e ossessivo, costituito da ricamo, passamanerie, perline e nodo-legatura, che lei utilizza per produrre intricate connessioni, i livelli e le sovrapposizioni. Le opere sembrano cuciture mancanza e spigoli, rendendo estremamente difficile seguire le matasse contorte e determinare ciò che tiene insieme questi pezzi. Eppure non possiamo stare indietro passivamente e pensieroso. E 'necessario lasciar andare il nostro senso dello spazio e la necessità di quantificare e identificare. Solo diventando coinvolte in queste opere possiamo ricevere ciò che hanno da darci, si può solo ottenere energia da loro mettendo in energia della nostra.

Millán disegni di avere un simile effetto di richiamare la nostra prima attenzione al loro splendore puro visiva. Naturali e le forme floreali sembrano materializzarsi e fiorire come per magia invocazione contro i campi monocromatici di dettaglio miniaturistica. Su uno sguardo più attento, ci si rende conto della tecnica di disegno meticoloso dell'artista e la meraviglia per un processo che comporta lavorare al buio da un singolo fascio di luce proiettato.
Pur richiamando la storia delle immagini arcadica, dal paesaggi onirici del XVIII secolo raffigurante Bowers lussureggiante, attraverso il francese celebrazioni impressionista di periferia divertimenti all'aperto, Millán racconti interattivi favola basata sulla natura, nel bisogno il nostro impegno, sono in definitiva le metafore, le chiamate a lasciarsi alle spalle la nostra jaded stessi e spassionato.
Mónica Millán è nato nel 1960 a San Ignacio, nella provincia di Misiones Argentina. Nel 1984 si è laureata con una laurea in disegno e pittura dal Instituto Superior del Profesorado Antonio Ruiz de Montoya (Terziario Istituto di Formazione Didattica Antonio Ruiz de Montoya), a Posadas, Misiones. Dal 1986 al 1988, ha proseguito i suoi studi a Buenos Aires sotto Luis Felipe Noé, una figura di spicco nel movimento pittura neo-espressionista in Argentina.
Millán iniziato ad esporre il suo lavoro nel 1989, quando una mostra personale del suo lavoro, Tres Tristes Tigres (Tre tristi tigri) si è tenuto presso il Museo Antropologico Andrés Guacurari a Posadas. Nel 1992 è stata inclusa in 4 Artistas de Misiones (Quattro artisti delle Missioni Argentina), tenutasi presso il Centro di Arti Visive in Asunción, Paraguay. Successivamente Millán è stato descritto in molti individuali e collettive, in particolare New Painters (1998, Museum of Fine Art Juan Yapari, Posadas), Giardini di Engano (1999, Centro Cultural Borges, Buenos Aires), Biennale della Critica (2000, Museo Castagnino, Rosario, Argentina), Giardino di risonanze (2001, Banff Centre for the Arts, in Canada), gli Stati della Terra (2004, Centro per la Cooperazione Culturale, Buenos Aires), Interfaces (2006, mostra itinerante in vari musei argentini), e Kissing Frogs (2007, Centro Culturale Borges).

Millán è stato il destinatario di borse di studio dalla Fondazione Antorchas (1996 e 1997), la Fondazione Telefónica (1997), e la Fondazione Rockefeller (2002 e 2003). Nel 2000 ha ricevuto una borsa di studio "Trama", la partecipazione ai seminari sotto la guida di Richard Deacon, Jaroslav Koslowsky, Victor Grippo, e León Ferrari.
A partire dal 1997, Millán ha coordinato mostre e clinics e seminari nella regione nord-orientale dell'Argentina. Con l'aiuto della Rockefeller Foundation, dal 2002 ha lavorato con un gruppo di tessitori in un villaggio in Paraguay, dove è stato consigliato dal critico d'arte Ticio Escobar, il fondatore e direttore del Museo de Arte Indigena dal Centro de Artes Visuales di Asunción.

Joseph Kosuth_arte_trasalimenti

Joseph Kosuth e NATO NEL 1945, a Toledo, Ohio. Kosuth ha partecipato il Toledo Museum School of Design 1955-1962 e ha studiato privatamente con il pittore Belga Line Bloom Draper. Dal 1963 al 1964 fu iscritto all'Istituto d'Arte di Cleveland Istituto.

NEL 1965 SI Kosuth trasferisce a New York per frequentare la School of Visual Arts, Egli avrebbe POI unirsi Alla Facoltà. Ben presto abbandonò la pittura e ha cominciato uno tariffa Lavori concettuali, il Che SONO static mostrati NEL 1967 Presso lo spazio espositivo e di co-Fondatore , Noto venire il Museo di Arte normale. Kosuth NEL 1969 Tiene la SUA prima Mostra Personale Alla Leo Castelli Gallery, New York e Nello Stesso Anno divenne il Direttore della rivista American Art e della lingua.

Dal 1971-1972 ha studiato Antropologia e Filosofia Alla New School for Social Research di New York. La Filosofia di Ludwig Wittgenstein, TRA L'altro, ha influenzato lo Sviluppo della SUA arte Dalla fine degli Anni Sessanta un meta degli Anni Settanta. Lavoro di Kosuth ha esplorato coerentemente la Produzione e il Ruolo del Linguaggio e del Significato all'interno dell'arte. SUA La Indagine quasi quaranta relazione NELLA Anni TRA Linguaggio e Arte PRESO ha la forma di Installazioni, mostre Musei, Pubbliche Commissioni e Pubblicazioni in Tutta Europa , Nelle Americhe e in Asia, TRA CUI Documenta V, VI, VII e IX (1972, 1978, 1982, 1992) e La Biennale di Venezia NEL 1976, 1993 e 1999. Recentemente, ha Esposto "Il Linguaggio dell'Equilibrio / Il Linguaggio dell'Equilibrio Presso la Sede dell'Ordine monastico Mekhitarian sull'Isola di San Lazzaro degli Armeni, Venezia. NB Tutti gli ingredienti e Stato Presentato in concomitanza con la Biennale 2007 di Venezia.

Riconoscimenti includono il Premio Brandeis, 1990, Frederick Weisman Award, 1991, la Menzione d'Onore Alla Biennale di Venezia, il 1993 e il Chevalier de l'ordre des Arts et des Lettres Dal Governo Francese NEL 1993. Ha Ricevuto UNA Cassandra Foundation Grant NEL 1968. NeL febbraio 2001 ha Ricevuto la Laurea Honoris Causa, dottorato in Filosofia e Lettere Presso l'Università di Bologna. NeL Mese di ottobre 2003, ha Ricevuto la Decorazione d'Onore in Oro, Massima un'onorificenza della Repubblica d'Austria per le Realizzazioni NEL campo della Scienza e della Cultura.

Joseph Kosuth Lavora e vive a New York e Roma.

TateShots Issue 15 - Gustav Metzger

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Felice Casorati_arte_trasalimenti

Felice Casorati, Ritratto di Silvana Cenni, 1922, tempera su tela, cm 105x205, collezione privata, Torino

Felice Casorati, noto pittore italiano, nasce a Novara il 4 dicembre 1886 e vive in varie città, seguendo gli spostamenti della famiglia, dovuti alla carriera militare del padre, erede di una famiglia di medici e matematici di chiara fama.

Appassionato di musica, scopre la pittura solo verso i diciotto anni quando, in seguito ad una malattia è costretto a passare un mese in campagna senza l'adorato pianoforte e suo padre, pittore dilettante,  per consolarlo gli regala una grande scatola di colori.

I suoi primi lavori sono vagamente espressionistici, per la maggior parte sono ritratti della madre e delle sorelle, eseguiti a matita ed a pastello.

Laureato a Padova in giurisprudenza, Felice Casorati continua a dipingere e, prima di raggiungere la sua più nota maniera metafisica, vive un lungo periodo liberty.

''Giocattoli'' 1915

''Preghiera'' 1913

''L'attesa'' 1918-19

''Notturno:uova'' 1959

Muore a Torino il 1° marzo 1963

Jasper Johns_arte_trasalimenti

Jasper Johns (Georgiano di nascita) si trasferisce a New York (23enne) e subito provvede a distruggere tutte le sue precedenti opere facendo tabula rasa del suo passato.
Da quel momento in poi, per circa 5 anni egli si dedicherà a dipingere e disegnare prevalentemente Bersagli e Bandiere.
Si tratta di figure che evocano un'atrazione geometrica senza tuttavia perdere lo loro ben definita identità di "oggetto".
Il bersaglio rispetto alla bandiera è più "astratto" poiché possono variare i colori (purché siano però contrastatanti) e la larghezza dei vari cerchi concentrici.
La bandiera, ovviamente, deve rispettare i parametri originali.

John Lennon Happy Xmas (War is Over)

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Giò Pomodoro_arte_trasalimenti

Gio' Pomodoro è nato il 17 novembre 1930 a Orciano di Pesaro, un piccolo paese della campagna marchigiana, vicino a Urbino.
Nel 1955 collabora attivamente alla rivista "il Gesto", e con Dorazio, Novelli, Turcato, Tancredi, Perilli, Fontana ed il fratello Arnaldo partecipano alle mostre del Gruppo "Continuità" presentate da Ballo, Argan, e Russoli. In seguito si stacca dal gruppo ed indirizza la sua ricerca verso la "rappresentazione razionale dei segni".
 
 
 
 
 
 

Di quattro anni più giovane del fratello, Giò Pomodoro, in unione con lui in gioventù nella realizzazione di gioielli («gruppo 3 P») alle gigantesche oreficerie di Arnaldo contrappone dei rilievi in bronzo dalle vaste superfici fluttuanti (Bandiera di Majakowskij, Grande folla del '66) per poi passare a monumentali costruzioni di blocchi in marmo e in pietra rigidamente squadrati che nel loro affiancarsi e sovrapporsi quasi pesanti architravi su massicci pilastri aprono liberi varchi allo spazio a similitudine di portali o finestre dentro i quali irrompe la luce solare.
Il sole infatti, anche se non sempre rappresentato o simboleggiato, è il dichiarato protagonista di molte di queste creazioni cui Pomodoro annette dei significati ideologici e sociali senza dubbio da lui sinceramente sentiti e vissuti e che comunque, nella loro assoluta astrazione e nella loro calcolata «misura», riescono a dare una precisa qualificazione estetica ai luoghi in cui si svolge la vita dell'uomo d'oggi .

Pietro Cascella al Planetario. I segreti del cielo

La Soprintendenza speciale per i beni archeologici di Roma riapre dopo due anni di restauri l’Aula ottagona delle Terme di Diocleziano, ai più nota come Il Planetario. Con l’occasione, lo spazio accoglie la mostra “Pietro Cascella al Planetario. I segreti del cielo” curata da Elena Pontiggia. Il binomio non è casuale. Infatti, in molti ricordano la suggestione del firmamento all'interno del Planetario che dal giorno della sua inaugurazione, il 28 ottobre 1928, detenne a lungo il primato di più grande d’Europa, grazie all’ampia maglia artificiale della calotta, sorretta da snelle colonnine in ghisa, e al proiettore Zeiss, lo straordinario macchinario donato dalla Germania all’Italia a parziale riparazione dei danni della prima guerra mondiale.
Oggi vengono esposte 16 opere dello scultore scomparso nel maggio del 2008 che citano, tutte, il tema del cielo. “Sole, luna, meteore, volte celesti, costellazioni, astri ricorrono continuamente nella sua scultura, con valenze insieme complementari e antitetiche. Ci appaiono come elementi della natura e come presenze che la oltrepassano, come fonti di energia e come motivi di contemplazione, come figure circoscritte e come segni dell’infinito, come ricordi di imprese spaziali e come luoghi del mistero, come oggetto della scienza e come origine del mito”, scrive Elena Pontiggia.
Marmi, bronzi, gessi e travertino si ritrovano sotto la cupola della Rotunda Diocletiani o aula ottagona - cosiddetta per la forma della sua pianta, quadrata all'esterno ma ottagonale all'interno, raccordata da nicchie semicircolari angolari. La cupola è un mirabile esempio delle conquiste dell'architettura romana nella sua forma ad ombrello e anello di chiusura centrale. Il consolidamento e il restauro condotto dalla Soprintendenza Speciale per i Beni Archeologici di Roma, mirato alla messa in sicurezza del complesso, ha restituito la consistenza e la coesione alle strutture antiche. Una micro sabbiatura a pressione controllata sull’intradosso della cupola ha asportato lo strato resinoso superficiale che impediva la traspirazione della muratura e ha messo in evidenza l’originaria tessitura muraria e le costolature della calotta antica, offrendo al pubblico un’immagine rinnovata dell’ambiente termale.
Sotto questa copertura, che in occasione della mostra verrà illuminata di blu per sottolineare la sinergia tra la cupola e le opere, ben si esalta il tema dell’universo che per Cascella ha sempre avuto una rilevanza particolare e, più in particolare, nelle sculture esposte. Lui stesso definiva “interrogazione cosmica” le tante opere in cui aveva affrontato quel soggetto. “I grandi scultori, quelli dell’antichità, del passato, erano come i maghi, parlavano con lo spazio, con l’immensità, con il mistero. Queste sono le ragioni della scultura”, ha detto una volta l’artista, parlando degli antichi, ma rivelando molto anche della propria ricerca.
L’allestimento della mostra, realizzato dallo Studio di Architettura Andrea Mandara con le opere che si irradiano nel perimetro ottagonale dell’aula, beneficia del nuovo progetto illluminotecnico dello Studio Piero Castiglioni, con Alessandro Grassia. L’illuminazione, che sarà permanente, è stata pensata per far apprezzare i recenti restauri, senza tralasciare una ricerca specifica per la mostra. A questo scopo, all’impianto fisso sono stati aggiunti dei filtri blu per rievocare la volta celeste, lasciando in penombra lo spazio circostante e puntare in maniera decisa sulle opere, come stelle del firmamento. Nel complessivo progetto di valorizzazione dell’Aula ottagona, non si è trascurata l’illuminazione del portale d’ingresso che ha dismesso le vecchie luci gialle per restituire i veri colori dei materiali con una decisa luce bianca. Ancora il blu, invece, per il fornice dell’arcata d’ingresso che anticipa ed introduce alla mostra.
Per tutto il periodo della mostra, in via sperimentale il Comune di Roma ha consentito alla chiusura al traffico di via Giuseppe Romita di fronte all’ingresso dell’Aula ottagona. Inoltre, il servizio giardini ha provveduto alla potatura degli alberi per consentire una migliore illuminazione della facciata.

Ufficio stampa Electa per la Soprintendenza speciale per i beni archeologici di Roma
Gabriella Gatto
tel. 39 06 47 497 462
Via Sicilia 136 – 00187 ROMA
press.electamusei@mondadori.it

Hans Hartung_arte_trasalimenti

di Paolo Turati

Cercare di inquadrare Hans Hartung in una “scuola” pittorica risulta non solo difficile ma probabilmente anche inutile. di poterlo apparentare a quella che, circoscrivibile nell'estensione della di Parigi al “giro di boa” della Seconda Guerra Mondiale, appare già di per sé farraginosamente costituita sia nei propri componenti che nelle gerarchie delle primogeniture e che sembra trarre in questa fase della sua maturazione la propria principale ragion d'essere nel contrapporsi, in particolare nel primo Dopoguerra, a quella che è nota come di New York, si ravvisano molti motivi per poter sostenere che il Maestro franco-tedesco non sia particolarmente debitore di questo e, a maggior ragione, neppure di alcun altro sodalizio per i risultati artistici d'eccellenza raggiunti attraverso proprie opere.'altra parte, non è che le 'scuole' pittoriche determinino, alla lunga, dei canoni entro i quali, standoci dentro, si ottengano dei garantitiDi più: è molto spesso solo l'artista che esce da quei canoni, spesso comodi, quello che riesce a lasciare un duraturo nel tempo. , brutalmente, alcuni nomi ascrivibili alla Scuola di Parigi( nel periodo a cavallo della Seconda Guerra Mondiale), una città che, nello spazio di poco più di dieci anni ha perso, assieme all'Europa intera sconvolta dalla Seconda Guerra Mondiale, la titolarità di elegantiarumartistica che le si attribuiva indiscutibilmente da Millenni a completo appannaggio, com'è noto, di New York e del Nuovo Mondo. de Stael, Serge Poliakoff, André Lanskoy ( russi naturalizzati francesi), Wols( Alfred Otto Wolfgang Schultze), lo stesso Hans Hartung( anche loro entrambi naturalizzati, essendo tedeschi di nascita),

Jean Fautrier, George Mathieu rappresentano una multinazionaleeuropea“lunga”circa vent'anni di artisti nati a cavallo della prima, delle Guerre Mondiali, le soluzioni artistiche peculiari dei quali( spesso assai dissonanti fra loro ed è proprio in queste differenze, non solo nel loro ambito di ma anche rispetto ai colleghi artisti americani/zzati, che si riscontra l'estremo dinamismo qualitativo sotteso alla sostanza profonda dell'intero movimento) si sono espresse a cavallo, invece, della Seconda Guerra Mondiale. Stessa di New York, per la verità, presta il fianco a numerosi limiti di definizione A parte l'indubbio 'vantaggio competitivo' di ritrovarsi posto giusto nel momento giustoe di aver incontrato dei mentori altrettanto adeguati come la mecenate Peggy Guggenheim o il teorico dell'Espressionismo

Astratto Harold Rosenberg, non si può asserire che si tratti d'altro se non di un movimento molto ,nei propri canoni spesso labili, benché senza dubbio di sostanziale importanza per il gusto estetico della Seconda Metà del Secolo, i cui contorni restano, assai giustamente, frastagliati e ricchi di nicchie a volta personalistiche, a volte( come per il gruppo dei cosiddetti “Irascibili”) andatisi a formare per motivazioni anche non solo artistiche. Motherwell, Bernett Newman, Jackson Pollock, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Arshile Gorky, Willem De Kooning, lo stesso Mark Rothko, molti dei quali ultimi anch'essi originari del Vecchio Continente dal quale -così come i Surrealisti ed i Dadaisti- erano emigrati susseguentemente al montare del Nazifascismo, mostrano, mutatis mutandis, aspetti di variegata disomologazione rispetto ad un denominatore comune, riscontrabile ora- peraltro principalmente- nell'painting o ora nel fields painting, quali possono essere parimenti osservati, appunto, nei pittori “restati” in Europa nonostante la Guerra di cui Hans Hartung fa, ad ogni modo e nel senso più generale, parte.importa che si assuma come paradigma che la pittura di Hans Hartung possa venire definita Espressionismo Astratto, Astrattismo Lirico o Tachismo, anche perché è proprio in un continuo divenire( molto più marcato da afflati di ricerca evolutiva rispetto a quelli, per esempio, di un altro grandissimo quale il canadese francofono Jean-Paul Riopelle, anch'egli, tra l'altro, a sua volta marito di un'artista, così come lo era stato non solo nel nostro caso Hans Hartung di Anna-Eva Bergman ma anche -fra vari altri esempi riscontrabili in merito nella storia della Pittura- lo stesso Jackson Pollock di Lee Krasner, cioè della somma espressionista astratta Joan Mitchell) che il Maestro di Lipsia ha elaborato la propria, personalissima, crescita. sperimentando indipendentemente, nelle fasi acerbe ma allo stesso tempo già estremamente avanzate della propria concezione estetica, poi intrigato dall'Astrattismo di Vassily Kandisky ( ma per nulla da questo soggiogato: Hartung non era particolarmente suggestionato dall'idea di l'infinito seguendo una serpentina),quindi attratto dalle relazioni matematiche che controllano le forme ed i colori, infine affascinato dalla gestualità, Hartung, i cui periodi artistici( più o meno decennali almeno per quanto riguarda gli ultimi quarant'anni della sua vita) appaiono più semplicemente disaminabili che per altri pittori, rappresenta, per gli svariati motivi che andremo ad analizzare, per l'Arte Moderna e Contemporanea una straordinaria “modularità”,

 nell'eccellenza estetica, difficilmente riscontrabile altrove. serenità oppure drammatico abbacinamento, ovvero entrambi, il risultato di un'evoluzione espressiva che raggiunge in Hartung un suo punto mediano nelle opere degli anni Sessanta( in particolare i primi), quale, significativamente, quella su tela 65x46 cm del 1963 esposta proprio nel contesto di questa Mostra?è un quesito peregrino. ' ben vero che dal 1960 in avanti( superati ormai gli “anni bui” e conseguiti i più ampli riconoscimenti internazionali, ivi compreso il primo premio, ottenuto quello stesso anno con votazione unanime della giuria, alla Biennale veneziana) la tecnica artistica hartunghiana assume una tipologia del tutto nuova, sicché parlare di punto mediano può apparire inesatto....

MADE IN ITALY_arte_trasalimenti

MADE IN ITALY – SOLO ARTE CONTEMPORANEA ITALIANA è il titolo dell’evento che si inaugura Sabato 4 Dicembre alle ore 18.00 presso la Galleria d’arte “Gherardi30” di Senigallia, un’importante mostra collettiva di sculture, opere su tela e su carta che vedrà come protagonisti nomi importanti dell’arte contemporanea italiana:

Alighiero Boetti, Tommaso Cascella, Carlo Cecchi,
Bruno Ceccobelli, Sandro Chia, Enzo Cucchi, Stefano Di Stasio, Omar Galliani,
 Marco Gastini, Eliseo Mattiacci,           Gian Marco Montesano,

 Bruno Munari,
Mimmo Paladino, Piero Pizzi Cannella, Mimmo Rotella, Mario Schifano,
Tino Stefanoni. 

 Inoltre saranno presenti in mostra i lavori di quattro giovani artisti che negli ultimi anni si sono distinti per il loro lavoro e per la ricerca artistica come: Marco Neri già presente alla biennale di Venezia nel 2001 , Davide Eron Salvadei uno dei vincitori del premio TERNA 2008, Daniele Bordoni reduce dalla prestigiosa mostra tenutasi al CIAC di Genazzano dal titolo ‘Impresa Pittura’ , Alberto Mariani vincitore ‘Premio Giovani 2009’ presso l’Accademia Nazionale San Luca di Roma.