Julian Schnabel_arte_trasalimenti

Ora, per alcune esagerazioni enorme e paradossi imprudente: Il astrattista di persuasione Minimalista dipinge sempre la stessa immagine, l'astrattista di Bent espressionista dipinge sempre uno diverso. Il primo funziona in un mondo che ha ricevuto di concordato-on perfezioni; le nuotate quest'ultimo nelle acque selvagge di intuizione e di congetture. Espressionisti mancanza di una lista prescrittiva desiderabili che potrebbero garantire la credibilità del loro lavoro. È per questo che Julian Schnabel ha abbellito le mappe marittime nella sua nuova serie "Navigazione disegni," 2007? Sono grafico, dare direttive, proscrivere. Poi di nuovo, le mappe, come appartamenti fase Kabuki, linoleum cucina, teli usurati, e cocci di ceramica, sono stati a lungo un fiocco di suoi disegni.

Alcuni disegni sono resi su vecchie mappe di Stanford, il tipo che sono stati appesi sui muri rulli aula predigital. Qui, le mappe sono state finora tirato giù come a rivelare la loro porta bugrane-che sono anche incorporati i disegni, il loro colore precedentemente nascoste grigio-blu ora giocando cielo al paesaggio / metafora marino "(insenature, sondaggi, braccia, le isole, coste, latitudine, longitudine). Le carte raffigurano luoghi esoterici con nomi sensazionali: De Adra uno Cabo de San Antonio de Cabo y Tres Forcas uno IVI Cabo, Punta Eugenia a Cabo de San Lázaro, Bahia de Cadiz, Point Conception to Point Sur-siti di farro grande tappi romano che aggiungere un peso libero-associativo per i dipinti, come il quotidiano frammenti catturati nella cera di encaustics Jasper John. John Le mappe sono anche un punto di partenza. Ma John non è espressionista.

Lo scopo del disegno espressionista è ambigua. Per il classicista, disegnando servita come studio preparatorio per un dipinto ideale ancora venire. Per il espressionista, disegno stesso è il primo dipinto creato "sur le vif", prodotte per mezzo estemporaneo quel salto di mente e la mano, sia che si tratti a matita, pennello, pastello, collage, trovato a terra. I risultati possono riguardare una immagine successiva, che sia perfetta o imperfetta. Il espressionista stabilisce il nuovo standard di giudizio con ogni sortita. Diversa da quella di gusto personale e convinzione, non ci sono concordati i principi del giudizio estetico dell'arte espressionista. Mi piace. Non mi piace. Schnabel è notoriamente non è estranea alla condanna intrattabile. Eppure, le tracce di impulso propulsivo possano diventare modelli di gusto e stile-pensare van Gogh, Beckmann, Pollock, pensa Schnabel. Il castagno che espressionisti non possiedono la coscienza di editing è quindi sospesa, se non smentite. Chi può dirlo?

Schnabel disegni di conservare l'avviso timbrato NON DA UTILIZZARE PER LA NAVIGAZIONE, essa stessa una provocazione, scatenando le mozioni e contromozioni, dando inizio al processo di verniciatura. La pagina bianca è un anatema per Schnabel, il classicismo, è piatto di casa base. Le stranezze topografiche e tipografiche delle mappe nautiche di creare un percorso visivo ostacolo, generando nuove forme e modelli che l'artista abbraccia intuitivamente o da cui si restringe, comprende o sradica, lascia intatti o spazza via nella sua tavolozza spesso umida. tocco sconcertato di Schnabel è diventata un'opzione identificabile nel repertorio della pennellata moderno, per molti, è il tocco da emulare. Un tocco certi scansafatiche post-Polke, adottata da pittori di Martin Kippenberger ad Albert Oehlen, sembra pertinente a questa disaffezione, anche se Schnabel è tanto un collaboratore del modo come egli è beneficiario. Allo stesso modo, le varianti americane nel lavoro di Jean-Michel Basquiat e George Condo facilmente vengono in mente, anche se in un modo o nell'altro tutti, compreso se stesso Schnabel, si rifanno a Cy Twombly.

Schnabel ha sviluppato uno stock peculiare caratteristica delle forme: una forma toplike suggestivo di una figura umana, una formazione tau, spesso obliterato al momento in cui l'elemento verticale della T incontra la barra orizzontale; semplici croci. (In un gruppo di opere piuttosto leggeri, questi disegni croce sento come un esercizio ascetico di ritenuta, un desiderio raro da parte del pittore di mantenere il lavoro fresco e il tocco leggero.) Akin per le croci, c'è anche un Passel di parallelo ictus o bar. E certi tratti può essere spinato o appuntiti, suggestivi della bailinghook iniziale del nome dell'artista. Ho fatto a meno di menzionare che espressionisti sempre dipingere autoritratti?

- Robert Pincus-Witten

JAN WORST_arte_trasalimenti

Jan Worst fatto il suo nome nei primi anni novanta con i suoi dipinti di interni opulenti abitato da donne languide, spesso accompagnate da bambini annoiati al futuro. Si tratta di dipinti in cui è sempre estate: una di quelle estati soffocante di agosto della varietà molto più lento, in cui ogni minuto sembra un'ora, ogni ora una vita ... ho sempre trovato la caratteristica più affascinante dei peggiori di lavoro la combinazione di credibilità con artificialità. A prima vista, sembrano essere fedeli rappresentazioni realistiche di eventi reali, una più accurata analisi sembrano essere costituiti da elementi fortemente eterogenei, un po 'come un collage. Nei suoi dipinti più tardi, questi elementi sono più strettamente integrata da una più fine, la tecnica più precisa. Eppure, la sensazione di alienazione e di mistero resta, anche se solo attraverso il posizionamento favoloso dei protagonisti e delle loro pose artificiose. La loro bizzarra, il comportamento quasi autistico smentisce la rispettabilità degli interni. Eppure spostare questi 'attori' non ingombrante e imperioso all'interno del proprio territorio, dimostrando che essi hanno il diritto assoluto di fare qualsiasi loro piacimento.

A testimonianza di questo procedimento, lo spettatore è spinta nel ruolo di voyeur, di fronte a un mondo che non conoscevi l'esistenza - e il mondo sconosciuto, che non doveva, non deve, vista - ma uno è costretto da un'indagine della natura. Quali sono quelle persone che stanno facendo lì? Che tipo di mobili strana è che? Qual è il contenuto di quei libri sugli scaffali - o sono solo manichini? E che cosa allegorie sviluppano nell'ambito del arazzi sul muro? Si tratta di un mondo scomparso - o un mondo ancora da venire? O sono queste scene che si svolge proprio dietro l'angolo, a nostra insaputa? Nel corso degli anni, senza senso molto è stato scritto sui dipinti di Jan peggio. O, almeno, ci sono molti luoghi comuni che i vari scrittori sembra avere involontariamente copiato da loro.

Uno dei più ostinato 'osservazioni' è che i quadri sono una sorta di commentare il "dolce far niente" dei ricchi oziosi: la noia 'yuppydom' che sono emersi a metà degli anni ottanta e che prevedeva belli, ricchi giovani con lontano troppi soldi e troppo tempo sulle loro mani. Questo punto di vista convenientemente ignora il fatto che, mostrando tali figure rivista patinata nel loro ambiente esuberante e storico, i dipinti di fatto dimostrano una grande nostalgia per la bellezza, equilibrio, armonia, conoscenza e decoro.

Che nostalgia, e in particolare qualsiasi espressione della stessa, sembra essere un tabù per l'arte contemporanea, prima lungo la dura accusa di 'accademismo' sarà fatto - "arte per l'arte" e l'edonismo puro. L'omaggio quasi sfacciato al bello in realtà è uno degli aspetti più caratteristici e potente delle peggiori di lavoro: l'aria lieve di malinconia sembra di portare a casa per lo spettatore che egli testimonianza di una forma di rispettabilità di grazia che è minacciato di estinzione. Visto in questa luce, i dipinti diventano un motivo di consapevolezza, di spiritualità e civiltà, piuttosto che un semplice commento superficiale su un fenomeno puramente temporale.

Nella sua prima lettera, Jan Worst ha scritto:
"La mia dea Ijsbrand,
Per quanto riguarda i miei quadri, ritengo che i seguenti punti importanti:
- I miei dipinti sono una dichiarazione personale. Io non sono un pittore che si sente alleato di qualsiasi movimento particolare.
- Il mio lavoro è influenzato più di ogni altra cosa dal cinema degli anni sessanta e settanta. Io tendo a non guardare tanto gli altri quadri ', anche se ci sono dei pittori corso che stimo (Balthus, Klossowski, Max Beckmann).
- Come sapete, negli ultimi anni sono stato dipinto non solo donne e bambini, ma anche gli uomini - gli uomini più anziani. Ciò ha portato gli incontri visto nei miei quadri sempre più complessi.
Con i migliori saluti, Jan
PS Ho incluso alcuni dei miei scritti, che si possono trovare illuminante ".
Molti passaggi da le note all'interno mi ha colpito come particolarmente rilevanti:
"Vorrei descrivere la mia posizione come un ibrido uno. Essa rientra tra rigide pittura accademica, da un lato, e dall'altro una forma d'arte che si appropria cinicamente tutto il possibile utilizzo. "
Questa osservazione solleva ancora una volta le qualità collage-come del dipinto. Abbastanza vero, Jan Worst fa uso di qualsiasi cosa e tutto come materiale per i suoi dipinti - foto delle vacanze, le fotografie da riviste di moda, gli interni mostrato in riviste di architettura - ma al tempo stesso, seleziona e manipola questi frammenti, ora rimosso dal loro contesto originale, a tal punto da assumere una nuova unità. All'interno i dipinti, il materiale viene utilizzato per realizzare una 'metamorfosi poetica,' uno che è personale al limite.

Scrive, inoltre, che i suoi quadri sono fondamentalmente "rappresentazioni delle riproduzioni ':
"A differenza della pittura, la fotografia presenta solo una disposizione dei simboli, senza vita, non una scena di vita reale. Nella fotografia, l'essenza è un singolo momento - ciò che manca è il fattore tempo. In un dipinto, questo fattore tempo è e deve essere presente ".
Questa è naturalmente una critica della fotografia fatta in nome della pittura. Questo passaggio mi ha ricordato il 'tocco umano' essere visto in pittura. Quando si scatta una fotografia, è la macchina che registra il momento decisivo, mentre in pittura non esiste una cosa come un 'momento decisivo' - un dipinto è, dopo tutto, una concatenazione di decisioni umane, all'interno del quale la componente tempo assente in la fotografia è di essere trovati.

Una fotografia registra una situazione in una frazione di secondo: un incidente. Una pittura, tuttavia, è creato: un processo. Un'altra distinzione importante è l'uso della luce - certamente se si considera Jan Worst's 'illuminazione cinematografico.' Un fotografo utilizza la luce, sia naturale che artificiale, mentre un pittore deve creare la luce. Questo ci porta ad affermare che peggio di illuminazione cinematografica è semplicemente 'deriva' da alcuni film - non riesce a copiare esattamente. Anche qui si vede il tocco umano in evidenza.
"I miei quadri rivelare l'influenza del cinema italiano neorealista e ai film della Nouvelle Vague. Sta tentando di tracciare un confronto tra i bambini nei miei quadri e quelle del film di De Sica e Truffaut - tra le mie stanze e quelle di Visconti - tra i miei personaggi e quelli alle prese con il passato nei film di Antonioni, o The Drifters senza meta di Alain Resnais 'L'Annee Derniere uno Marienbad. [...] Nei miei quadri è impossibile fare una netta distinzione tra realtà e fantasia, tra l'oggettivo e il soggettivo, tra il fisico e il mentale, tra il reale e il virtuale ".

Jan Worst I dipinti sono come fotogrammi di un film inesistente, scene congelato da una storia sconosciuta e inconoscibile che pongono domande senza risposta. Che cosa sta succedendo qui? Che in nome del cielo, si è verificato prima di questa scena? Che cosa accadrà collegare? I dipinti non sono, da un lato la realtà in un piatto - deve essere svelato, cercato. Come un regista, posti peggiori suoi protagonisti contro la macchina dello spettacolo, organizza la sua illuminazione e assembla i puntelli che sono così importanti per l'atmosfera. E 'in questa' direzione 'che dobbiamo cercare la realtà nei suoi dipinti, ogni componente è una metafora per il modo in cui nel mondo occidentale scegliere di progettare le frazioni e le nostre vite. In tutti fuori della società moderna è costretta (così sembra) per diventare il direttore della propria vita e delle proprie fantasie. L'abbondanza di opzioni e la velocità con cui si può "zapping" in tutto il mondo - sia letteralmente che figurativamente - ci costringe a costruire strutture con elementi del tutto eterogenei, su cui dobbiamo quindi dare una sorta di unità.

Eppure non rimane quasi nessuna situazione che non ha in qualche momento sono ricostruiti dai media in un modello di essere inamovibile impiantato nel nostro subconscio. Involontariamente si deve 'diretti' la nostra vita secondo l'immagine sottoposta su di noi dai media. Come Susan Sontag, una volta sottolineato, quando vediamo un tramonto non diciamo, "guarda che bello!", Abbiamo nudge l'un l'altro e dire "guarda! - È proprio come una cartolina illustrata" L'illustrazione è l'imitazione che ha soppiantato realtà.

 In un ultimo tentativo per conservare o conquistare la nostra presa sulla realtà, abbiamo progressivamente venuto a imitare solo le illustrazioni, non la realtà. Questo è l'aspetto della vita contemporanea che Jan Worst così sottilmente escogita per usare nei suoi dipinti. Dirige la realtà e la sua rappresentazione e li combina in una totalità che ha un significato completamente nuovo.

Alighiero Boetti_arte_trasalimenti

YE LIU_arte_trasalimenti

La maggior parte dei dipinti in "Leave Me nel buio" dispongono di una giovane donna di singolare - ma invece di contenere sottintesi sessuali (una caratteristica che ha definito molte delle precedenti opere di questo artista cinese), le donne sono ora impegnati in attività piuttosto semplice. Essi sono rappresentati durante la lettura, di intraprendere un viaggio con la valigia in mano, o mentre gioca con blocchi di legno colorato.
 

Le loro caratteristiche, i vestiti e qualche proposta sono stati semplificati per la moda di illustrazioni di libri per bambini, e crudamente in contrasto con sfondi per lo più monocromatici. Sono inghiottita da sfumature di grigio, blu e marrone, che istituisce un 'atmosfera che è tanto malinconica quanto misterioso.
 

Vi è un certo kitsch "carineria" di queste immagini, una qualità molto più evidente nei dipinti di grandi Liu Ye della ragazza coniglio Miffy, un personaggio libro di immagini create dal disegnatore olandese Dick Bruna. Ma qui, è compensato dal senso di desolazione che Liu Ye cerca di concedere ai suoi sudditi.
L'esperienza di lavoro di Liu Ye è duplice. Da un lato, ci viene offerta una lettura narrativa del lavoro. In ogni caso, ci viene presentata ad un privato, la cui storia anche se sconosciuto, provoca la nostra immaginazione. Il suo isolamento ed i vari oggetti e dettagli che la circondano provoca domande delle sue intenzioni, esperienze e desideri. Ci sono poco chiari della sua permanenza, il suo luogo di origine e meta ambita. Lei si perde nel tempo, così come nel mondo, ed è l'impegno dello spettatore con il suo che crea l'unico collegamento con la realtà.
 

D'altra parte, Liu Ye lavoro si traduce come uno studio permanente di sfumature forma e colore. Ciò è dovuto alla consistenza del lessico dell'artista. Ogni composizione è definita da una struttura simile, che presenta una figura centrale.
Un'altra coerenza è la scelta di Liu Ye di una tenue tavolozza, che egli impiega per i campi colori di grandi dimensioni che circonda la figura. Tutte le opere condividono un senso di tranquillità e silenzio meditativo. Molto è lasciato non detto e qui solo accennato.
Liu Ye è nato a Pechino nel 1964 e raggiunse la maggiore età durante la Rivoluzione Culturale, quando l'arte era al servizio dello Stato e di espressione individuale è stato esplicitamente vietato. Suo padre era autore di libri per bambini. Entrambi questi fatti mettere in luce il suo stile, così come la sua moderazione. Questo corpo di lavoro si basa sul concetto di semplificazione e che sia nel suo sfumature che si dispiega pienamente.
 

- Buhmann Stephanie

Malcolm Morley

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.