JAN WORST_arte_trasalimenti

Jan Worst fatto il suo nome nei primi anni novanta con i suoi dipinti di interni opulenti abitato da donne languide, spesso accompagnate da bambini annoiati al futuro. Si tratta di dipinti in cui è sempre estate: una di quelle estati soffocante di agosto della varietà molto più lento, in cui ogni minuto sembra un'ora, ogni ora una vita ... ho sempre trovato la caratteristica più affascinante dei peggiori di lavoro la combinazione di credibilità con artificialità. A prima vista, sembrano essere fedeli rappresentazioni realistiche di eventi reali, una più accurata analisi sembrano essere costituiti da elementi fortemente eterogenei, un po 'come un collage. Nei suoi dipinti più tardi, questi elementi sono più strettamente integrata da una più fine, la tecnica più precisa. Eppure, la sensazione di alienazione e di mistero resta, anche se solo attraverso il posizionamento favoloso dei protagonisti e delle loro pose artificiose. La loro bizzarra, il comportamento quasi autistico smentisce la rispettabilità degli interni. Eppure spostare questi 'attori' non ingombrante e imperioso all'interno del proprio territorio, dimostrando che essi hanno il diritto assoluto di fare qualsiasi loro piacimento.

A testimonianza di questo procedimento, lo spettatore è spinta nel ruolo di voyeur, di fronte a un mondo che non conoscevi l'esistenza - e il mondo sconosciuto, che non doveva, non deve, vista - ma uno è costretto da un'indagine della natura. Quali sono quelle persone che stanno facendo lì? Che tipo di mobili strana è che? Qual è il contenuto di quei libri sugli scaffali - o sono solo manichini? E che cosa allegorie sviluppano nell'ambito del arazzi sul muro? Si tratta di un mondo scomparso - o un mondo ancora da venire? O sono queste scene che si svolge proprio dietro l'angolo, a nostra insaputa? Nel corso degli anni, senza senso molto è stato scritto sui dipinti di Jan peggio. O, almeno, ci sono molti luoghi comuni che i vari scrittori sembra avere involontariamente copiato da loro.

Uno dei più ostinato 'osservazioni' è che i quadri sono una sorta di commentare il "dolce far niente" dei ricchi oziosi: la noia 'yuppydom' che sono emersi a metà degli anni ottanta e che prevedeva belli, ricchi giovani con lontano troppi soldi e troppo tempo sulle loro mani. Questo punto di vista convenientemente ignora il fatto che, mostrando tali figure rivista patinata nel loro ambiente esuberante e storico, i dipinti di fatto dimostrano una grande nostalgia per la bellezza, equilibrio, armonia, conoscenza e decoro.

Che nostalgia, e in particolare qualsiasi espressione della stessa, sembra essere un tabù per l'arte contemporanea, prima lungo la dura accusa di 'accademismo' sarà fatto - "arte per l'arte" e l'edonismo puro. L'omaggio quasi sfacciato al bello in realtà è uno degli aspetti più caratteristici e potente delle peggiori di lavoro: l'aria lieve di malinconia sembra di portare a casa per lo spettatore che egli testimonianza di una forma di rispettabilità di grazia che è minacciato di estinzione. Visto in questa luce, i dipinti diventano un motivo di consapevolezza, di spiritualità e civiltà, piuttosto che un semplice commento superficiale su un fenomeno puramente temporale.

Nella sua prima lettera, Jan Worst ha scritto:
"La mia dea Ijsbrand,
Per quanto riguarda i miei quadri, ritengo che i seguenti punti importanti:
- I miei dipinti sono una dichiarazione personale. Io non sono un pittore che si sente alleato di qualsiasi movimento particolare.
- Il mio lavoro è influenzato più di ogni altra cosa dal cinema degli anni sessanta e settanta. Io tendo a non guardare tanto gli altri quadri ', anche se ci sono dei pittori corso che stimo (Balthus, Klossowski, Max Beckmann).
- Come sapete, negli ultimi anni sono stato dipinto non solo donne e bambini, ma anche gli uomini - gli uomini più anziani. Ciò ha portato gli incontri visto nei miei quadri sempre più complessi.
Con i migliori saluti, Jan
PS Ho incluso alcuni dei miei scritti, che si possono trovare illuminante ".
Molti passaggi da le note all'interno mi ha colpito come particolarmente rilevanti:
"Vorrei descrivere la mia posizione come un ibrido uno. Essa rientra tra rigide pittura accademica, da un lato, e dall'altro una forma d'arte che si appropria cinicamente tutto il possibile utilizzo. "
Questa osservazione solleva ancora una volta le qualità collage-come del dipinto. Abbastanza vero, Jan Worst fa uso di qualsiasi cosa e tutto come materiale per i suoi dipinti - foto delle vacanze, le fotografie da riviste di moda, gli interni mostrato in riviste di architettura - ma al tempo stesso, seleziona e manipola questi frammenti, ora rimosso dal loro contesto originale, a tal punto da assumere una nuova unità. All'interno i dipinti, il materiale viene utilizzato per realizzare una 'metamorfosi poetica,' uno che è personale al limite.

Scrive, inoltre, che i suoi quadri sono fondamentalmente "rappresentazioni delle riproduzioni ':
"A differenza della pittura, la fotografia presenta solo una disposizione dei simboli, senza vita, non una scena di vita reale. Nella fotografia, l'essenza è un singolo momento - ciò che manca è il fattore tempo. In un dipinto, questo fattore tempo è e deve essere presente ".
Questa è naturalmente una critica della fotografia fatta in nome della pittura. Questo passaggio mi ha ricordato il 'tocco umano' essere visto in pittura. Quando si scatta una fotografia, è la macchina che registra il momento decisivo, mentre in pittura non esiste una cosa come un 'momento decisivo' - un dipinto è, dopo tutto, una concatenazione di decisioni umane, all'interno del quale la componente tempo assente in la fotografia è di essere trovati.

Una fotografia registra una situazione in una frazione di secondo: un incidente. Una pittura, tuttavia, è creato: un processo. Un'altra distinzione importante è l'uso della luce - certamente se si considera Jan Worst's 'illuminazione cinematografico.' Un fotografo utilizza la luce, sia naturale che artificiale, mentre un pittore deve creare la luce. Questo ci porta ad affermare che peggio di illuminazione cinematografica è semplicemente 'deriva' da alcuni film - non riesce a copiare esattamente. Anche qui si vede il tocco umano in evidenza.
"I miei quadri rivelare l'influenza del cinema italiano neorealista e ai film della Nouvelle Vague. Sta tentando di tracciare un confronto tra i bambini nei miei quadri e quelle del film di De Sica e Truffaut - tra le mie stanze e quelle di Visconti - tra i miei personaggi e quelli alle prese con il passato nei film di Antonioni, o The Drifters senza meta di Alain Resnais 'L'Annee Derniere uno Marienbad. [...] Nei miei quadri è impossibile fare una netta distinzione tra realtà e fantasia, tra l'oggettivo e il soggettivo, tra il fisico e il mentale, tra il reale e il virtuale ".

Jan Worst I dipinti sono come fotogrammi di un film inesistente, scene congelato da una storia sconosciuta e inconoscibile che pongono domande senza risposta. Che cosa sta succedendo qui? Che in nome del cielo, si è verificato prima di questa scena? Che cosa accadrà collegare? I dipinti non sono, da un lato la realtà in un piatto - deve essere svelato, cercato. Come un regista, posti peggiori suoi protagonisti contro la macchina dello spettacolo, organizza la sua illuminazione e assembla i puntelli che sono così importanti per l'atmosfera. E 'in questa' direzione 'che dobbiamo cercare la realtà nei suoi dipinti, ogni componente è una metafora per il modo in cui nel mondo occidentale scegliere di progettare le frazioni e le nostre vite. In tutti fuori della società moderna è costretta (così sembra) per diventare il direttore della propria vita e delle proprie fantasie. L'abbondanza di opzioni e la velocità con cui si può "zapping" in tutto il mondo - sia letteralmente che figurativamente - ci costringe a costruire strutture con elementi del tutto eterogenei, su cui dobbiamo quindi dare una sorta di unità.

Eppure non rimane quasi nessuna situazione che non ha in qualche momento sono ricostruiti dai media in un modello di essere inamovibile impiantato nel nostro subconscio. Involontariamente si deve 'diretti' la nostra vita secondo l'immagine sottoposta su di noi dai media. Come Susan Sontag, una volta sottolineato, quando vediamo un tramonto non diciamo, "guarda che bello!", Abbiamo nudge l'un l'altro e dire "guarda! - È proprio come una cartolina illustrata" L'illustrazione è l'imitazione che ha soppiantato realtà.

 In un ultimo tentativo per conservare o conquistare la nostra presa sulla realtà, abbiamo progressivamente venuto a imitare solo le illustrazioni, non la realtà. Questo è l'aspetto della vita contemporanea che Jan Worst così sottilmente escogita per usare nei suoi dipinti. Dirige la realtà e la sua rappresentazione e li combina in una totalità che ha un significato completamente nuovo.

Alighiero Boetti_arte_trasalimenti

YE LIU_arte_trasalimenti

La maggior parte dei dipinti in "Leave Me nel buio" dispongono di una giovane donna di singolare - ma invece di contenere sottintesi sessuali (una caratteristica che ha definito molte delle precedenti opere di questo artista cinese), le donne sono ora impegnati in attività piuttosto semplice. Essi sono rappresentati durante la lettura, di intraprendere un viaggio con la valigia in mano, o mentre gioca con blocchi di legno colorato.
 

Le loro caratteristiche, i vestiti e qualche proposta sono stati semplificati per la moda di illustrazioni di libri per bambini, e crudamente in contrasto con sfondi per lo più monocromatici. Sono inghiottita da sfumature di grigio, blu e marrone, che istituisce un 'atmosfera che è tanto malinconica quanto misterioso.
 

Vi è un certo kitsch "carineria" di queste immagini, una qualità molto più evidente nei dipinti di grandi Liu Ye della ragazza coniglio Miffy, un personaggio libro di immagini create dal disegnatore olandese Dick Bruna. Ma qui, è compensato dal senso di desolazione che Liu Ye cerca di concedere ai suoi sudditi.
L'esperienza di lavoro di Liu Ye è duplice. Da un lato, ci viene offerta una lettura narrativa del lavoro. In ogni caso, ci viene presentata ad un privato, la cui storia anche se sconosciuto, provoca la nostra immaginazione. Il suo isolamento ed i vari oggetti e dettagli che la circondano provoca domande delle sue intenzioni, esperienze e desideri. Ci sono poco chiari della sua permanenza, il suo luogo di origine e meta ambita. Lei si perde nel tempo, così come nel mondo, ed è l'impegno dello spettatore con il suo che crea l'unico collegamento con la realtà.
 

D'altra parte, Liu Ye lavoro si traduce come uno studio permanente di sfumature forma e colore. Ciò è dovuto alla consistenza del lessico dell'artista. Ogni composizione è definita da una struttura simile, che presenta una figura centrale.
Un'altra coerenza è la scelta di Liu Ye di una tenue tavolozza, che egli impiega per i campi colori di grandi dimensioni che circonda la figura. Tutte le opere condividono un senso di tranquillità e silenzio meditativo. Molto è lasciato non detto e qui solo accennato.
Liu Ye è nato a Pechino nel 1964 e raggiunse la maggiore età durante la Rivoluzione Culturale, quando l'arte era al servizio dello Stato e di espressione individuale è stato esplicitamente vietato. Suo padre era autore di libri per bambini. Entrambi questi fatti mettere in luce il suo stile, così come la sua moderazione. Questo corpo di lavoro si basa sul concetto di semplificazione e che sia nel suo sfumature che si dispiega pienamente.
 

- Buhmann Stephanie

Malcolm Morley

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Malcolm Morley _arte_trasalimenti

Malcolm Morley è nato a Londra nel 1931. I suoi ricordi d'infanzia del Blitz avrebbe continuato a modellare il suo repertorio di motivi: la città bombardata, la Royal Navy, un aeromodello ha giocato con. Dopo un'adolescenza trascorse in anni bui del dopoguerra, durante i quali Morley avuto anche una breve esperienza in carcere per furto, ha frequentato la Scuola di Camberwell di Arti e Mestieri nel 1952-53 e al Royal College of Art dal 1954 fino al 1957.

Drawn all'espressionismo astratto, Malcolm Morley finalmente lasciato Londra per New York nel 1958. Insoddisfatto con le sue immagini, in bianco e nero che l'alleggerimento del tempo la luce superfici articolate in orizzontale, Morley ora ricercato motivi di rappresentanza. In un primo momento di lavoro con una tavolozza ridotta da foto di giornale di battaglia, Malcolm Morley ha sviluppato uno stile fotorealistico nel 1964, che ha comportato esattamente il trasferimento di foto a colori come elementi raster su tela.

Morley pratica di sciogliere un motivo in superfici raster non-rappresentativa, che avrebbe a volte dipingere su tele a testa in giù, ha continuato a collegare lui con i suoi inizi astratto. Morley ha sviluppato questo insolito atto della creazione pittorica in performance, in cui il prodotto finale di tanto in tanto difettoso, l'immagine rappresentativa, è stata di secondaria importanza. Nonostante la sua individualità, Morley è considerato come un precursore di fotorealismo, per la quale ha coniato il termine Superrealism. Malcolm Morley motivi al momento sono state entrambe le scene contemporanee, che lo pose vicino alla Pop Art, e copie di quadri di antichi maestri.

Nei primi anni 1970 tocchi gestuali ha cominciato a rompere in immagini di Morley ei suoi motivi sempre più attestata alla violenza e alla distruzione (ad esempio "Train Wreck", 1975).

Durante la permanenza in Florida, Morley ha sviluppato una nuova tecnica: ha ora i suoi dipinti eseguiti dopo acquerelli ha fatto come preliminari. I suoi soggetti erano ispirati alla mitologia greca e il paesaggio mediterraneo incontrato per i suoi lunghi viaggi.
Con primi anni 1980 Malcolm Morley era così ben definito come un leader neo-espressionista che egli fu il primo vincitore del prestigioso Turner Prize a Londra (nel 1984). Verso la fine degli anni 1980, Morley ha restituito al suo repertorio motivo iniziale di navi e aerei, che ora figurato in installazioni di grandi dimensioni, che erano una combinazione di pittura e cellulari. Morley era dipinto dai modelli osservati attraverso un sistema di camera oscura.
Entro la metà degli anni 1990, tuttavia, egli tornò di nuovo a più rendering esatto, ora utilizzando aerei modello dal set, che ha rappresentato in due dimensioni, ma con una tendenza astratta. Negli ultimi anni, Malcolm Morley ha dipinto in uno stile figurativo, accompagnato da un approccio gestuale reticenza, traducendo in immagini fotografiche, pitture spazialmente complesse. Morley è rimasta in America, sua patria di adozione.

Ettore Le Donne_arte_trasalimenti

Ettore Le Donne

Rivisondoli (Aq) – 1950. Dipinge sin da bambino piante e uccelli. È sulla scena artistica a partire dal 1968. Nel 1980 frequenta i corsi di pittura presso l’Accademia di Belle Arti  dell’Aquila, ove ha come docenti Fabio Mauri e Gianfranco Notargiacomo. Dal 1983 al 1994 fa parte del Gruppo Immanentista partecipando a mostre di assoluto prim’ordine e in spazi di prestigio, come il Centro Attività Visive del Palazzo dei Diamanti di Ferrara, il Museo Pagani di Castellanza, il Castello Cinquecentesco dell’Aquila. Le citate mostre sono testimoniate dagli scritti di Giulio Carlo Argan, Vito Apuleo, Lucio Cabutti, Filiberto Menna, Nicoletta Hristodorescu, Italo Mussa, Giorgio Cortenova, Enzo Pagani, Claudio Spadoni e altri. Nel 1996 fonda il Movimento Iperspazialista con gli artisti  Tiziana Baracchi, Antonio Paciocco, Giuseppe Masciarelli, Cesare Iezzi, e il critico d’arte Giancarlo Da Lio, partecipando a tutte le manifestazioni del Movimento, tra cui quella tenutasi nel 1997 al MART di Rovereto, con interventi di Giancarlo Da Lio, Milena Milani, Luigi Serravalli. Nel 2001, fonda in antitesi ai poteri forti, il foglio informativo “L’Oracolo”, con il quale ambisce con tensione etica alla ricerca della verità. Nel luglio 2010 è invitato da Lucrezia De Domizio Durini al “Fourth Free International Forum” – In Difesa della Natura – con un’opera dal titolo Thoughts,  creata per essere esposta all'aperto nella Piantagione Paradise in Bolognano, quale omaggio al Maestro tedesco Joseph Beuys. E' un lavoro concettuale pienamente nel tema dell'opera formale iperspazialista; il libro-leggio vuole testimoniare la scomparsa di civiltà stellari distrutte da catastrofi apocalittiche come per esempio la civiltà di Atlantide; può essere interpretato come un libro che narra di misteri cosmici o come spartito musicale. Sul frammento sinistro dell'opera si nota il trauma subito a causa della catastrofe e del vagare cosmico; su quello destro si nota un reperto architettonico di civiltà aliene. E’ invitato da Gabriele Di Pietro alla manifestazione “Trasalimenti” – progetto per l’arte contemporanea – che si è tenuta a Rocca Calascio nel mese di agosto 2010.

Sue opere figurano in diversi Musei e Istituzioni Pubbliche tra cui il Museo d’Arte Moderna Pagani di Castellanza, il Museo d’Arte Immanente “Villa Papi” di Arquata del Tronto, il Museo della Carale Accattino di Ivrea, il Museo Madí di Dallas Texas, il Museo Arte e Spiritualità di Brescia, la Pinacoteca de Arte Contemporáneo de Zarzuela del Monte – Segovia, il Centro Documentazione e Studio Luciano Chinese di Mariano del Friuli, il Castello Brunnenburg di Tirolo-Merano, il Museo delle Arti Castello di Nocciano, il Museo Civico Basilio Cascella di Pescara, il Centro Internazionale Arti Visive Studio 2B – Boggi Arte di Bergamo, la Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Termoli, la “BN” – Biblioteca Nacional di Madrid, la Fondazione Segno di Pescara, il Múzeum moderného umenia Andy Warhola Medzilaborce.

Max Raabe und das Palastorchester - Daisy

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Significato esoterico dei numeri e la loro simbologia, di GIAN RUGGERO MANZONI

Significato esoterico dei numeri e loro simbologia

I numeri racchiudono il codice segreto per interpretare l’universo. La valenza simbolica dei numeri è data dal loro valore qualitativo e dalle interazioni con tutti gli altri elementi strutturanti l’universo. Tutte le componenti dell’universo sono caratterizzate da una sequenza numerica che stabilisce il rapporto con tutto ciò che la circonda. Le interazioni composte dai numeri vanno al di là di un mero calcolo quantitativo. Infatti da un punto di vista spirituale l’1 rappresenta l’unico, cioè l’unicità della divinità; il 2 non proviene dal raddoppiamento dell’uno, ma dalla sua divisione. Il due divide e rompe l’armonia dell’uno, e il ritorno all’unità si ha con il 3, cioè con il percorso inverso. Fatto che spiega come il 3, il triangolo, la triade, siano espressioni dell’unità. In tutte le tradizioni antiche i numeri sono sacri, proprio perché permettono di comprendere l’ordine delle cose e le leggi del cosmo. La Cina da millenni riconosce ai numeri una funzione ordinatrice, energizzante e armonizzante del mondo e della materia vivente. Tutti i numeri partecipano del simbolismo dell’unità, sia per addizione teosofica, che consiste nell’addizionare le cifre tra loro, sia anche per scomposizione. Per esempio, il 28 = 2 + 8 = 10 = 1 + 0 = 1; il numero 28 è dunque l’espressione dell’unità primordiale. Ma il 28 è anche composto di 4 x 7, apparentato alle quattro fasi della luna. I multipli di un numero possiedono in generale gli stessi suoi significati, tuttavia hanno meno forza ed energia, non essendo forme pure. I numeri si dividono in pari e dispari in base a delle specifiche qualità. I numeri pari hanno una polarità femminile, quindi sono passivi e rappresentano degli stati dell’essere, mentre i numeri dispari, con polarità maschile, sono attivi e rappresentano degli avvenimenti.

Questo post è stato pubblicato il gennaio 25, 2011 alle 2:05 am ed è archiviato in Informazioni, Magie, Musica, Notizie, Poesia, Tradizioni . Puoi seguire i commenti a questo post con il feed RSS 2.0. Sia i commenti che i ping sono al momento chiusi.

Fonte:GianRuggeroManzoni.it