YE LIU_arte_trasalimenti

La maggior parte dei dipinti in "Leave Me nel buio" dispongono di una giovane donna di singolare - ma invece di contenere sottintesi sessuali (una caratteristica che ha definito molte delle precedenti opere di questo artista cinese), le donne sono ora impegnati in attività piuttosto semplice. Essi sono rappresentati durante la lettura, di intraprendere un viaggio con la valigia in mano, o mentre gioca con blocchi di legno colorato.
 

Le loro caratteristiche, i vestiti e qualche proposta sono stati semplificati per la moda di illustrazioni di libri per bambini, e crudamente in contrasto con sfondi per lo più monocromatici. Sono inghiottita da sfumature di grigio, blu e marrone, che istituisce un 'atmosfera che è tanto malinconica quanto misterioso.
 

Vi è un certo kitsch "carineria" di queste immagini, una qualità molto più evidente nei dipinti di grandi Liu Ye della ragazza coniglio Miffy, un personaggio libro di immagini create dal disegnatore olandese Dick Bruna. Ma qui, è compensato dal senso di desolazione che Liu Ye cerca di concedere ai suoi sudditi.
L'esperienza di lavoro di Liu Ye è duplice. Da un lato, ci viene offerta una lettura narrativa del lavoro. In ogni caso, ci viene presentata ad un privato, la cui storia anche se sconosciuto, provoca la nostra immaginazione. Il suo isolamento ed i vari oggetti e dettagli che la circondano provoca domande delle sue intenzioni, esperienze e desideri. Ci sono poco chiari della sua permanenza, il suo luogo di origine e meta ambita. Lei si perde nel tempo, così come nel mondo, ed è l'impegno dello spettatore con il suo che crea l'unico collegamento con la realtà.
 

D'altra parte, Liu Ye lavoro si traduce come uno studio permanente di sfumature forma e colore. Ciò è dovuto alla consistenza del lessico dell'artista. Ogni composizione è definita da una struttura simile, che presenta una figura centrale.
Un'altra coerenza è la scelta di Liu Ye di una tenue tavolozza, che egli impiega per i campi colori di grandi dimensioni che circonda la figura. Tutte le opere condividono un senso di tranquillità e silenzio meditativo. Molto è lasciato non detto e qui solo accennato.
Liu Ye è nato a Pechino nel 1964 e raggiunse la maggiore età durante la Rivoluzione Culturale, quando l'arte era al servizio dello Stato e di espressione individuale è stato esplicitamente vietato. Suo padre era autore di libri per bambini. Entrambi questi fatti mettere in luce il suo stile, così come la sua moderazione. Questo corpo di lavoro si basa sul concetto di semplificazione e che sia nel suo sfumature che si dispiega pienamente.
 

- Buhmann Stephanie

Malcolm Morley

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Malcolm Morley _arte_trasalimenti

Malcolm Morley è nato a Londra nel 1931. I suoi ricordi d'infanzia del Blitz avrebbe continuato a modellare il suo repertorio di motivi: la città bombardata, la Royal Navy, un aeromodello ha giocato con. Dopo un'adolescenza trascorse in anni bui del dopoguerra, durante i quali Morley avuto anche una breve esperienza in carcere per furto, ha frequentato la Scuola di Camberwell di Arti e Mestieri nel 1952-53 e al Royal College of Art dal 1954 fino al 1957.

Drawn all'espressionismo astratto, Malcolm Morley finalmente lasciato Londra per New York nel 1958. Insoddisfatto con le sue immagini, in bianco e nero che l'alleggerimento del tempo la luce superfici articolate in orizzontale, Morley ora ricercato motivi di rappresentanza. In un primo momento di lavoro con una tavolozza ridotta da foto di giornale di battaglia, Malcolm Morley ha sviluppato uno stile fotorealistico nel 1964, che ha comportato esattamente il trasferimento di foto a colori come elementi raster su tela.

Morley pratica di sciogliere un motivo in superfici raster non-rappresentativa, che avrebbe a volte dipingere su tele a testa in giù, ha continuato a collegare lui con i suoi inizi astratto. Morley ha sviluppato questo insolito atto della creazione pittorica in performance, in cui il prodotto finale di tanto in tanto difettoso, l'immagine rappresentativa, è stata di secondaria importanza. Nonostante la sua individualità, Morley è considerato come un precursore di fotorealismo, per la quale ha coniato il termine Superrealism. Malcolm Morley motivi al momento sono state entrambe le scene contemporanee, che lo pose vicino alla Pop Art, e copie di quadri di antichi maestri.

Nei primi anni 1970 tocchi gestuali ha cominciato a rompere in immagini di Morley ei suoi motivi sempre più attestata alla violenza e alla distruzione (ad esempio "Train Wreck", 1975).

Durante la permanenza in Florida, Morley ha sviluppato una nuova tecnica: ha ora i suoi dipinti eseguiti dopo acquerelli ha fatto come preliminari. I suoi soggetti erano ispirati alla mitologia greca e il paesaggio mediterraneo incontrato per i suoi lunghi viaggi.
Con primi anni 1980 Malcolm Morley era così ben definito come un leader neo-espressionista che egli fu il primo vincitore del prestigioso Turner Prize a Londra (nel 1984). Verso la fine degli anni 1980, Morley ha restituito al suo repertorio motivo iniziale di navi e aerei, che ora figurato in installazioni di grandi dimensioni, che erano una combinazione di pittura e cellulari. Morley era dipinto dai modelli osservati attraverso un sistema di camera oscura.
Entro la metà degli anni 1990, tuttavia, egli tornò di nuovo a più rendering esatto, ora utilizzando aerei modello dal set, che ha rappresentato in due dimensioni, ma con una tendenza astratta. Negli ultimi anni, Malcolm Morley ha dipinto in uno stile figurativo, accompagnato da un approccio gestuale reticenza, traducendo in immagini fotografiche, pitture spazialmente complesse. Morley è rimasta in America, sua patria di adozione.

Ettore Le Donne_arte_trasalimenti

Ettore Le Donne

Rivisondoli (Aq) – 1950. Dipinge sin da bambino piante e uccelli. È sulla scena artistica a partire dal 1968. Nel 1980 frequenta i corsi di pittura presso l’Accademia di Belle Arti  dell’Aquila, ove ha come docenti Fabio Mauri e Gianfranco Notargiacomo. Dal 1983 al 1994 fa parte del Gruppo Immanentista partecipando a mostre di assoluto prim’ordine e in spazi di prestigio, come il Centro Attività Visive del Palazzo dei Diamanti di Ferrara, il Museo Pagani di Castellanza, il Castello Cinquecentesco dell’Aquila. Le citate mostre sono testimoniate dagli scritti di Giulio Carlo Argan, Vito Apuleo, Lucio Cabutti, Filiberto Menna, Nicoletta Hristodorescu, Italo Mussa, Giorgio Cortenova, Enzo Pagani, Claudio Spadoni e altri. Nel 1996 fonda il Movimento Iperspazialista con gli artisti  Tiziana Baracchi, Antonio Paciocco, Giuseppe Masciarelli, Cesare Iezzi, e il critico d’arte Giancarlo Da Lio, partecipando a tutte le manifestazioni del Movimento, tra cui quella tenutasi nel 1997 al MART di Rovereto, con interventi di Giancarlo Da Lio, Milena Milani, Luigi Serravalli. Nel 2001, fonda in antitesi ai poteri forti, il foglio informativo “L’Oracolo”, con il quale ambisce con tensione etica alla ricerca della verità. Nel luglio 2010 è invitato da Lucrezia De Domizio Durini al “Fourth Free International Forum” – In Difesa della Natura – con un’opera dal titolo Thoughts,  creata per essere esposta all'aperto nella Piantagione Paradise in Bolognano, quale omaggio al Maestro tedesco Joseph Beuys. E' un lavoro concettuale pienamente nel tema dell'opera formale iperspazialista; il libro-leggio vuole testimoniare la scomparsa di civiltà stellari distrutte da catastrofi apocalittiche come per esempio la civiltà di Atlantide; può essere interpretato come un libro che narra di misteri cosmici o come spartito musicale. Sul frammento sinistro dell'opera si nota il trauma subito a causa della catastrofe e del vagare cosmico; su quello destro si nota un reperto architettonico di civiltà aliene. E’ invitato da Gabriele Di Pietro alla manifestazione “Trasalimenti” – progetto per l’arte contemporanea – che si è tenuta a Rocca Calascio nel mese di agosto 2010.

Sue opere figurano in diversi Musei e Istituzioni Pubbliche tra cui il Museo d’Arte Moderna Pagani di Castellanza, il Museo d’Arte Immanente “Villa Papi” di Arquata del Tronto, il Museo della Carale Accattino di Ivrea, il Museo Madí di Dallas Texas, il Museo Arte e Spiritualità di Brescia, la Pinacoteca de Arte Contemporáneo de Zarzuela del Monte – Segovia, il Centro Documentazione e Studio Luciano Chinese di Mariano del Friuli, il Castello Brunnenburg di Tirolo-Merano, il Museo delle Arti Castello di Nocciano, il Museo Civico Basilio Cascella di Pescara, il Centro Internazionale Arti Visive Studio 2B – Boggi Arte di Bergamo, la Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Termoli, la “BN” – Biblioteca Nacional di Madrid, la Fondazione Segno di Pescara, il Múzeum moderného umenia Andy Warhola Medzilaborce.

Max Raabe und das Palastorchester - Daisy

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Significato esoterico dei numeri e la loro simbologia, di GIAN RUGGERO MANZONI

Significato esoterico dei numeri e loro simbologia

I numeri racchiudono il codice segreto per interpretare l’universo. La valenza simbolica dei numeri è data dal loro valore qualitativo e dalle interazioni con tutti gli altri elementi strutturanti l’universo. Tutte le componenti dell’universo sono caratterizzate da una sequenza numerica che stabilisce il rapporto con tutto ciò che la circonda. Le interazioni composte dai numeri vanno al di là di un mero calcolo quantitativo. Infatti da un punto di vista spirituale l’1 rappresenta l’unico, cioè l’unicità della divinità; il 2 non proviene dal raddoppiamento dell’uno, ma dalla sua divisione. Il due divide e rompe l’armonia dell’uno, e il ritorno all’unità si ha con il 3, cioè con il percorso inverso. Fatto che spiega come il 3, il triangolo, la triade, siano espressioni dell’unità. In tutte le tradizioni antiche i numeri sono sacri, proprio perché permettono di comprendere l’ordine delle cose e le leggi del cosmo. La Cina da millenni riconosce ai numeri una funzione ordinatrice, energizzante e armonizzante del mondo e della materia vivente. Tutti i numeri partecipano del simbolismo dell’unità, sia per addizione teosofica, che consiste nell’addizionare le cifre tra loro, sia anche per scomposizione. Per esempio, il 28 = 2 + 8 = 10 = 1 + 0 = 1; il numero 28 è dunque l’espressione dell’unità primordiale. Ma il 28 è anche composto di 4 x 7, apparentato alle quattro fasi della luna. I multipli di un numero possiedono in generale gli stessi suoi significati, tuttavia hanno meno forza ed energia, non essendo forme pure. I numeri si dividono in pari e dispari in base a delle specifiche qualità. I numeri pari hanno una polarità femminile, quindi sono passivi e rappresentano degli stati dell’essere, mentre i numeri dispari, con polarità maschile, sono attivi e rappresentano degli avvenimenti.

Questo post è stato pubblicato il gennaio 25, 2011 alle 2:05 am ed è archiviato in Informazioni, Magie, Musica, Notizie, Poesia, Tradizioni . Puoi seguire i commenti a questo post con il feed RSS 2.0. Sia i commenti che i ping sono al momento chiusi.

Fonte:GianRuggeroManzoni.it

Scritti di MATTIA MORENI.

ARTE FIERA BOLOGNA dal 28 al 31 gennaio 2011

Arte Fiera, Bologna. Programma della Fiera Internazionale d'arte contemporanea

Dal 28.01 al 31.01 2011

Trentaquattro edizioni alle spalle non bastano a farci stancare di Arte Fiera, ma sono preziosi per rendere l’evento fieristico bolognese sempre più accattivante: anche nel 2011, dal 28 al 31 gennaio, il Quartiere Fieristico di Bologna ospiterà Arte Fiera Art First, tra le prime manifestazioni internazionali dedicate all’arte moderna e contemporanea, inaugurata negli anni Settanta e ormai divenuta la più importante in Italia.
In una logica sempre più sofisticata di selezione delle gallerie espositive e degli appuntamenti culturali collaterali, la mostra conta su 200 gallerie distribuite in 15 mila mq di superficie, suddivise in base a tre temi: arte moderna, arte contemporanea, e arte di ultimissima tendenza.

Tra gli ospiti esclusivi della prossima edizione c’è IACCA (International Association of Coirporate Collections of Contemporary Art), che dal palcoscenico di Arte Fiera ha scelto di presentarsi all’Italia e parlare di temi fondamentali, come l’educazione del pubblico al gusto artistico, tramite la realizzazione di collezioni importanti. Non mancano gli importanti premi riservati agli artisti emergenti: il Premio Eurmobil viene assegnato al miglior artista under 30, e il Premio Furla si ripropone nel 2011 con un faccia a faccia appassionante tra i curatori della fiera e artisti selezionati. I lettori più aggiornati non possono trascurare lo Spazio Art Café, che collaborando con Corraini Edizioni diventa location di presentazioni di libri e cataloghi, pubblicati da grandi editori presenti in Fiera.

Il contatto tra la Fiera e la città di Bologna è rappresentato da Arte Fiera Art First in città, giunta alla VI edizione, che dal 28 gennaio al 27 febbraio porterà nel capoluogo emiliano una vera e propria esposizione intitolata “Se un giorno d’inverno un viaggiatore”, curata da Julia Draganovic: un viaggio magico e personalissimo che ogni visitatore può intraprendere nel cuore di Bologna, tra opere e installazioni di artisti italiani e stranieri. Il 29 gennaio Art White Night terrà svegli i creativi fino a tarda ora, dal tramonto a mezzanotte, con l’apertura straordinaria di gallerie, negozi, palazzi storici e musei.

 

Dal cemento di Nervi al cemento di Zaha al MAXXI Roma.

Primo appuntamento alla scoperta delle architetture di Pier Luigi Nervi. Mentre al MAXXI è in corso la mostra dedicata grande talento italiano (leggi qui), ecco un’occasione per approfondire i temi compositivi, formali e tecnici presenti nella sua opera. Il primo itinerario è riservato a tre opere realizzate a Roma in occasione delle Olimpiadi del 1960: il Palazzetto dello Sport, lo Stadio Flaminio e il Viadotto di Corso Francia.

L’appuntamento, con prenotazione obbligatoria al numero 06 399.67.350, è per sabato 15 gennaio alle 10.45 all’ingresso dello Stadio Flaminio, Piazzale dello Stadio Flaminio, cancello 15. Biglietto: il pacchetto per 2 itinerari a scelta è di 17 euro, ridotto 10.

Gli itinerari sono:

Il Nervi “olimpico”: Palazzetto dello Sport, Stadio Flaminio e Viadotto di Corso Francia
sabato 15 gennaio, 12 febbraio e 12 marzo
appuntamento alle ore 10.45 presso l’ingresso dello Stadio Flaminio, in Piazzale dello Stadio Flaminio, Curva Sud - Uffici Coni, cancello 15

Nervi all’EUR: Palazzo dello Sport
sabato 29 gennaio e 5 marzo
appuntamento alle ore 10.45 presso il Piazzale dello Sport

Nervi in Vaticano: Aula delle udienze pontificie
date da definire


Data Inizio:15 dicembre 2010
Data Fine: 20 marzo 2011
Costo del biglietto: 11,00 euro
Luogo: Roma, MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo
Orario: 11.00 – 19.00; giovedì e sabato: 11.00 – 22.00. chiuso lunedì
Telefono: 06 3210181 begin_of_the_skype_highlighting            06 3210181      end_of_the_skype_highlighting
Sito Web: http://www.fondazionemaxxi.it/

Dall'Icona a Malevich. Capolavori dal Museo Russo di San Pietroburgo

Le numerose iniziative che avranno luogo nel 2011, in occasione dell’ Anno della Cultura e Lingua Russa in Italia e della Cultura e Lingua Italiana in Russia, godranno di un preludio a Firenze, dove alla Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti si apre il prossimo 8 febbraio, per chiudere il 30 aprile 2011, la mostra Dall’icona a Malevich. Capolavori dal Museo Russo di San Pietroburgo.

La mostra è promossa dal Ministero della Cultura della Federazione Russa con il Museo Russo di San Pietroburgo e dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali Italiano con la Soprintendenza Speciale per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Firenze e la Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti, ed è stata realizzata con il contributo dello sponsor unico Morgan Stanley.

Ivan Kramskoj. Mina Moiseev. 1882. Olio su tela

 

L’Andito degli Angiolini ospiterà una selezione di 40 dipinti provenienti dal prestigioso Museo Russo, un numero dimensionato agli spazi non vasti ma seducenti di questi ambienti lorenesi, e scelto in modo da offrire un affascinante florilegio del percorso dell’arte russa dall’epoca delle icone fino alle avanguardie del primo Novecento.

Kazimir Malevich. Testa del contadino. 1928-1929 olio su multistrato

Leon Bakst. La cena. 1902. Olio su tela

Dalla collezione di icone, imponente per numero, è stato intenzionalmente selezionato un unico pezzo, il Cristo Pantocrator in trono fra le potenze del XVI secolo, dato che le icone sono forse l’espressione artistica dell’arte russa più nota in Europa, si è inteso dedicare maggior spazio all’arte del XVIII e XX secolo.

Fu il Settecento infatti l’epoca in cui l’arte russa inaugurò e maturò uno stile “moderno”. Al riguardo la mostra include due dipinti dell’inizio del Settecento, nei quali si evidenzia il graduale distacco dalla tradizione pittorica delle icone e l’apertura alla tipologia figurativa europea: Ivan Nikitin, Ritratto di un atamano e Roman Nikitin, Ritratto della baronessa M. Stroganova. Altre opere in mostra, del Settecento e della prima metà dell’Ottocento, di artisti diversi come Orest Kiprenskij, Karl Brjullov, Silvestr Shchedrin, Fedor Alekseev testimoniano non solo come i pittori russi avessero fatto propria l’arte dei vicini maestri europei, ma anche come fossero in grado di esprimere un proprio stile personale.
Nella prima metà dell’Ottocento molti artisti russi si recarono in Italia trattenendo visi per lunghi periodi al fine di perfezionarsi nell’arte, e alcuni di loro eseguirono anche diverse opere su commissione italiana (ricordiamo Orest Kiprenskij, Bambini napoletani eseguito per il re di Napoli, oggi a Palazzo Reale).

Kazimir Malevich. Autoritratto. 1933. Olio su tela

Cristo Pantocratore in trono. Sec. XVI в. Kargopol’. Tempera Legno

I rapporti dei maestri russi con l’Italia nella prima metà del XIX secolo erano così intensi che alcuni finirono per sposare donne italiane (Kiprenskij, Lapchenko), mentre altri trovarono in questo paese gli amici più cari (Karl Brjullov visse e morì a nei pressi di Roma, in casa del politico e diplomatico Tittoni, dove rimase parte della sua eredità). L’Italia fu quindi estremamente importante per gli artisti della prima metà del XIX secolo, che nella Russia di allora non potevano godere di libertà d’espressione artistica e per la maggior parte erano costretti a lavorare solo per una committenza ecclesiastica.

Vasilj Kandinskij. Pettine blu. 1917. Olio su tela.

Mikhail Nesterov. Anacoreta. 1888. Olio su tela

Data Inizio:08 febbraio 2011

Data Fine: 30 aprile 2011
Costo del biglietto: 12,00 euro; Per informazioni 055. 294883
Luogo: Firenze, Galleria d’arte moderna di Palazzo Pitti - FIRENZE
Orario: tutti i giorni 8.15 – 18.50; Chiuso lunedì

TateShots: Rude Britannia - Spitting Image

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat, filmed in 1986

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Joseph Beuys- Transformer

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Joseph Beuys: We are the Revolution

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

MATTIA MORENI

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.