鼓童「打男 DADAN」 Kodo "Dadan"

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

MUSEO DEL NOVECENTO - MILANO

arte trasalimenti ideato e curato da gabriele di pietro.

Wim Delvoye_arte_trasalimenti

A giudicare dalla sua mostra retrospettiva - la prima di una nuova serie presso il Centro Pecci, ora diretto da Daniel Soutif - il richiamo del scatologico ha preso il sopravvento nel lavoro recente di Wim Delvoye. Sì, la mostra contiene anche opere degli anni '80 e '90, tutti basati su paradosso: pali da calcio realizzati con antiche tecniche di vetro colorato ("obiettivi", 1989-92) e solo in attesa del primo calcio irriverente di spezzare loro; "Gas canestri," 1988-1989, decorato nello stile di porcellane di Delft e il barocco "Betoniere," 1990-92. Ma tutto questo Semed per essere semplice prologo, che costituiscono l'infanzia di un artista che oggi è finalmente entrata nella sua maturità e alla luce del sole con la sua ossessione con i fluidi corporei e residui - e, in particolare, con la merda. Infatti, la mostra ruota intorno alla grande "Cloaca Turbo" (fogna Turbine), 2003, un complesso meccanismo meccanico-chimico-elettronico che riproduce il ciclo umano di mangiare, digestione ed escrezione. Si tratta di una variante perfezionata su due macchine precedenti che avevano lo stesso obiettivo. Questo lavoro è stato così fortemente presente - alimentata ad intervalli regolari, con un menù che è prestabilita e un calendario di consegna puntualmente rispettate da un ristoratore - che ogni altra opera in mostra, hanno dovuto necessariamente fare riferimento ad esso, tuttavia tangenzialmente.

 Gli intarsi di marmo del pavimento decorazioni geometriche sono stati sostituiti da fette di salumi di vario genere - solo un'altra allusione grezzo (come lo erano le pelli tatuate di suini scorticato) per i processi digestivi tal fine, naturalmente, in escrezione. Per non parlare di "Baci Anale", 1999-2000, segni lasciati da uno stronzo rossetto. Queste e altre opere qui sembrava, ma uno schizzo dissimulato e anche poetico di tale attività primaria dell'uomo, la produzione di merda.
 

 

Stranamente, non si è davvero tentati di classificare questa opera con riferimento al concetto freudiano di "fase anale" di un bambino (e quindi l'artista, che ha assunto quel ruolo). Né è una tentazione di portare l'idea della provocazione sociale o immagini di conformità, il consumismo, o anche allegorie per l'arte attuale. Al contrario, tutti i riferimenti rientrare nel flusso del linguaggio più elevato della storia dell'arte. Non è un caso, per esempio, che la scrittura sul lavoro Delvoye è pieno di riferimenti alla pittura fiamminga e olandese del vecchio maestro, da Bosch a Rembrandt, o nel magico mondo di automi del XVIII secolo. E infatti, il lavoro Delvoye sembra essere una continuazione consapevole di quella tradizione, piuttosto che un caso clinico di ossessione scatologico. All'interno della storia delle immagini c'è una linea espressiva legata al mondo "basso" di fluidi corporei, in contrasto con il regno celeste delle idee. Si tratta di un mondo visivo la cui metafore continuamente puntare al contrasto immenso tra materia e idea, corpo e anima. E 'un mondo dove la merda è merda tautologicamente, prima di essere una immagine metaforica, e dove questo non appartiene alla sfera individuale o sociale - unterstood come una critica, la lotta, o la denuncia - ma ad una molto più primitiva, contadina, rito collettivo, come primordiale come letame sui campi, così vitale come la puzza di merda.
 

- Marco Meneguzzo

Carla Accardi_arte_trasalimenti

Il 1950 e primi anni 60 continuano a essere piena di sorprese. Uno di loro, per gli americani, almeno, è opera del pittore italiano Carla Accardi. La signora Accardi, che è 80, è una stella d'arte su ordine di Agnes Martin in Italia. Ma questa piccola indagine di 50 anni di pittura presso Sperone Westwater, e un display di accompagnamento di gouaches alla Casa Italiana, è solo il suo aspetto seconda personale a New York, e il primo a recensire i suoi sforzi iniziali.
lavoro Ms. Accardi è un precursore all'Arte Povera, con la sua enfasi su materiali e processi nonart semplice e strutture. Nel 1947 divenne uno dei membri fondatori di Forma I, un gruppo di artisti di Roma che si sono definiti come sia marxista e formalista. Ha adottato un reductivist, demistificante approccio alla pittura, come hanno fatto molti europei e americani del periodo.

I dipinti mostra comprende opere imponenti dalla metà degli anni 1950, i cui campi di circoli sparsi e sovrapposizioni e di segni, resi in bianco o giallo su fondo nero, suggeriscono una risposta controllata al lavoro di Jackson Pollock. All'inizio degli anni 1960, si era rivolto al blues saturi o verdi su campi in rosso, optando per un ordinato se calligrafia astratto che sembra particolarmente utile nei guazzi di Casa Italiana.

Alla fine degli anni 1960 e in gran parte del 1970, ha spostato la sua sempre più regolarizzati marchio processo di plastica trasparente, sfruttando la trasparenza nelle opere tese e poi i tessuti, e infine in pezzi di free-standing. Una delle opere tessute a Sperone, del 1972 e ha coinvolto in profondità tratti verde, ha una scala robusta e la sua handsomeness nulla-ma-il-fatto ha un sapore perfetto periodo.

Qualche volta nel lontano 1970 o 1980 nei primi anni, la signora Accardi ha raggiunto un punto in cui si sia dovuto diventare uno scultore o tornare indietro, e si voltò indietro.

 Ha iniziato a lavorare su tela di nuovo, utilizzando un vocabolario di simboli lineari la cui incarnazioni più recenti versioni di evocare strombate di graffiti di Keith Haring. Le combinazioni di colori stridenti Op Art, il suo punto di forza, persistono.

-Roberta Smith

Evan Penny_arte_trasalimenti

Facile spettacolo. effetti speciali di Hollywood. Tecnica per il bene della tecnica. Non si può negare che tutti questi sembra probabile, le reazioni credibili per le figure in silicone ultrarealistic di Evan Penny. (Opere di Duane Hanson e Ron Mueck sembra impressionistico tramite il confronto.) Ma anche se un occhio immune da spettacolo e le imbarcazioni possono trovare queste opere interessanti. Ciò potrebbe essere dovuto al fatto, per tutte le splendide tridimensionalità che sembra così centrale per loro, il referente reale di questa scultura è la fotografia. Risulta fondamentale esperienza pittorica della nostra cultura in un unico materiale.
"Grande Murray," 2008, un tipico Penny, presenta il torso nudo di un magro, coda di cavallo, maschio cinquanta-qualcosa, realisticamente fondono per ogni suo capello, talpa, e la traccia di stoppie. Alle otto metri di altezza, che schiera il tropo tipicamente fotografico di ampliamento.

 E 'anche il tempo di arresti proprio come fa una foto, facendoci contemplare il dettaglio in un mondo che appare come dovrebbe muoversi. Come una fotografia - e diversamente da opere di Hanson o Mueck - i bordi arbitrario del raccolto scultura un segmento dalla realtà: i tagli pavimento della galleria attraverso il corpo di Murray appena sotto la pancia, le braccia, sciolti lungo i fianchi, sono tagliati fuori ai polsi.

 Infine, per tutto ciò che è nettamente a tutto tondo, "Large Murray" presenta il mondo a noi dal punto di vista singolare della fotografia: Murray sembra perfettamente reale di fronte, come fa da dietro, ma cercate di vedere lui dal lato e sembra appiattita.
 

Nonostante le prime impressioni, Penny non distribuisce la sua tecnica impressionante tradizionale effetto realistico. Dando una presenza materiale per la fotografia, egli richiama l'attenzione tanto alla realismo lacune in merito alle proprie plenitudes.
 
- Blake Gopnik

Piero Manzoni_arte_trasalimenti

Già nel 1960, l'artista italiano Piero Manzoni ha dichiarato che non riusciva a capire perché ancora i pittori si sono posizionati davanti ai loro tele "come se fosse una superficie da coprire con colori e forme". Quarantacinque anni dopo, i pittori sono ancora appesi su tavola tra pittura e tela, ancora più preoccupanti i loro colori e le forme stupido stupido.
Manzoni preferito attenersi panini o palline di polistirolo poco per le sue tele. Talvolta egli coprire la superficie con tela anche di più, rucked e strettamente a pieghe, o tagliati in piccoli rettangoli, per fare le griglie che sembrava pieghe. Poi si immergere il tutto in una poltiglia caolino porridgy, come una sorta di sostituto per l'atto del dipingere, imbalsamazione tutta la superficie in una brina bianco sporco farinoso. Il mite, caolino bianco latte mi ricorda, inevitabilmente, del viso in polvere di una commedia dell'arte Pierrot, o come il volto bianco-vernice della straziante mimo Marcel Marceau. Manzoni Achromes sono essi stessi una sorta di atto di mimo, pantomima tragicomica della pittura. Alcuni dei suoi Achromes più tardi sono stati goûts birichino di colore bianco lucido, fibra di vetro, si appendono nelle loro cornici boxy come manciate di santa barba di Babbo Natale.
Quando li vedi subito, Manzoni Achromes sguardo quasi bella, una volta divertente o provocatorio, ora sono teneri, pallido e struggente. morte prematura di Manzoni per un attacco cardiaco nel 1963, all'età di 30, composti il senso della fragilità e della mortalità sua arte così spesso manifestato. Non riesco a guardare le scatolette firmate e numerate di merda in scatola di Manzoni, o palloncini, ora sono morti una volta ha riempito il suo stesso respiro, senza essere a conoscenza di esso.

Sabato scorso Tate Modern di Londra ha aperto oltre la pittura, una piccola rassegna di tre stanze dedicate a Manzoni, Alberto Burri e Lucio Fontana, i tre più importanti artisti italiani degli anni 1950 e 1960. Curata dalla collezione della Tate, e con un notevole numero di prestiti, la mostra rimane per un anno. Questo è più di un semplice display. Spesso è meglio guardare un minor numero di opere d'arte piuttosto che molti, per ricordare che le questioni ancora in singolare. Manzoni fu il più giovane dei tre artisti, ognuno dei quali sono morti entro un anno o due l'una dall'altra. Sia lui che Lucio Fontana hanno avuto importanti mostre britannici negli ultimi dieci anni (alla Serpentine e Hayward), mentre il terzo, Alberto Burri, è quasi del tutto scomparso dalla coscienza pubblica in Gran Bretagna.
Gruppi, fazioni e manifesti sono stati parte integrante della scena italiana del dopoguerra artistico. Ma, Burri, Fontana e Manzoni erano più un'affiliazione allentato di un gruppo, molto meno di una generazione. Sembrano non aver creduto abbastanza in le stesse cose. Come se in contraddizione con Manzoni, Alberto Burri ha detto: "Vedo la bellezza e questo è tutto ... Forma e spazio:. Queste sono le qualità essenziali che contano"

Come con l'arte di Manzoni, è più facile vedere queste qualità nel lavoro di Burri ora rispetto a quando è stato fatto, dalla fine del 1940 fino alla metà del 1960, anche se io sono più attratto da i materiali e le cose che ha fatto a loro, piuttosto rispetto alle loro modalità formali o, anzi, lo spazio. Da vicino, la bellezza non è la prima cosa che viene in mente. I suoi materiali - vecchio saccheggio, pannelli di fibre a basso costo, impiallacciature scheggiata e materie plastiche spogliato - sono volutamente infelice, le cose che ha fatto a loro - bruciore, lacrimazione, piercing e così via - estremi. E tuttavia, si desidera avvicinarsi all'arte di Burri, quasi a strofinare il naso in esso.
Più ci si stand a loro, più di Burri agglomerati di vecchio sacco di iuta, impiallacciature di legno tagliato e saldato lastre di ferro, bruciato e plastica bruciata e ti fanno pensare al corpo. Si è formato come medico, e ha lavorato nel settore in quanto tale, prima della sua cattura e l'internamento come prigioniero di guerra negli Stati Uniti; la sua arte fa frequenti allusioni a ferite, suture e deturpazioni. Essa ha anche un sottotesto politico: ha iniziato a lavorare con saccheggi, mentre un detenuto in Texas. (Nel catalogo, Renato Miracco chiama questo campo di prigionieri di guerra un "campo di concentramento". Sono sicuro che questo è fuorviante.)
Nelle rovine del dopoguerra povera Italia, un sacco potrebbe essere una coperta, un borsone, una tenda, un bendaggio, canovaccio per un calco in gesso o un sudario di fortuna. Burri licenziamento anche fatto riferimento ai sacchi di prodotti alimentari inviati in Italia come parte del programma di aiuti Marshall. Saccheggio è il tessile più impervi e più primitivo di. Riammaglia e riparato, o impregnati di sporcizia (di essere trascinati, o di sostegno, nelle sue fibre, le tracce del suo contenuto originale), è stato anche una parodia delle belle lenzuola e gli Juti di tela dell'artista.

I fogli di impiallacciatura di legno che Burri bruciati, anneriti, irrimediabilmente danneggiato e mancato di rispetto, sono anche il risultato di un atto mostruoso o barbarie. Si pensa della guerra e della violazione, e si pensa di pittura. Più tardi Burri ha cominciato a utilizzare le materie plastiche in polietilene ed altri - i materiali del boom industriale ed economico in Italia alla fine del 1950 e 1960. Un foglio di rappreso, fumo colorato, di plastica trasparente in difficoltà, appeso in una cornice che pende liberamente nel centro della galleria, ricorda strati di pelle, bruciature, ferite. Ma, da vicino, è anche come delicato e frangibile come un acquerello o una foglia esotica. Altrove, un foglio di plastica rossa, con grossi buchi bruciati in esso, si rivela sontuosa e terribile, come interiora esposte.
Così anche con tele scavato, allo spiedo e tagliate di Fontana. Righe di tagli di rasoio in un look tela come una sorta di scrittura, e la bocca come, vagine. Fontana, come il Manzoni, aveva un tocco impeccabile e sentire per i materiali. Non ha mai visto il suo taglio e tagliente come distruttivo, ma qualcosa di fatto "in modo da scoprire". Ma per scoprire che cosa? Lo spazio tra tela e parete, per recuperare la sensazione di guardare se stessa ING è un tipo di piercing, o di taglio? Parliamo, in fondo, su uno sguardo penetrante. Non è questo ciò che un pittore, porta a una tela, e non facciamo lo stesso?
A volte Fontana avrebbe tagliato in una tela ancora bagnata di vernice, e andare oltre la superficie forata con vernice ancora di più, fino ad assumere l'aspetto di un organismo nel processo di guarigione. In altri tempi e scatterings righe di fori perforato assunse l'aspetto di una bomboletta spray di arma da fuoco automatica su un muro. Oppure si prende una tela dipinta e piattamente rasoio con una fenditura lunga, attraverso il quale egli avrebbe gentilmente passare le dita, per tirare a parte i bordi. Il sessuale è inevitabile in arte di Fontana, insieme al escrementizia e la violenta. Il fatto che le opere di tre artisti tutti qui fanno venire in mente la parola bellezza è preoccupante. Oppure sono io?

Manzoni, Fontana e Burri può essere visto come precursori dell'arte povera, i cui operatori si stavano mai meno di eleganti nella loro uso di oggetti e materiali, o inconsapevole sulle associazioni di metaforico e simbolico di ciò che hanno fatto. Saccheggio e incendio avrebbe poi girate nelle opere di Jannis Kounellis, uno pensa anche di dipinti di Yves Klein fuoco, i disegni bruciati e bruciato di Antonin Artaud, in cui l'atto di bruciare era una specie di maledizione, un assalto, sulla ritratti e figure tratte che ha sfigurato con i fiammiferi e sigarette accese, mentre nel manicomio di Rodez durante la seconda guerra mondiale. Forse quello che Artaud ha fatto è stato inteso non come arte a tutti. Guardando oltre la pittura, si pensa di torture reali, allora come oggi, così come le cose che la gente infliggere a se stessi, gli uni sugli altri, e gli artisti cose fare per rendere il loro lavoro. Non si può tenere il mondo fuori, ma poi non hai mai potuto.
- Adrian Searle

Mattia Moreni al MAR Museo d'arte della città di Ravenna

L’Italia s’è desta 1945-1953
Arte in Italia nel secondo dopoguerra,
da De Chirico a Guttuso a Moreni, da Fontana a Burri

Curatore:Claudio Spadoni
Sede:  MAR Museo d’Arte della città di Ravenna
Enti organizzatori: Comune di Ravenna - Assessorato alla Cultura,MAR Museo d’Arte della città
Periodo: Ravenna, 13 febbraio -  26 giugno 2011
Catalogo:Società editrice Umberto Allemandi & C. S.p.A.
Sponsor ufficiale:Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna

Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana Giorgio Napolitano

Patrocini:Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Regione Emilia-Romagna e Provincia di Ravenna
Con il sostegno di: Enipower, Coop Adriatica e CMC – Cooperativa Muratori Cementisti

Julian Schnabel_arte_trasalimenti

Ora, per alcune esagerazioni enorme e paradossi imprudente: Il astrattista di persuasione Minimalista dipinge sempre la stessa immagine, l'astrattista di Bent espressionista dipinge sempre uno diverso. Il primo funziona in un mondo che ha ricevuto di concordato-on perfezioni; le nuotate quest'ultimo nelle acque selvagge di intuizione e di congetture. Espressionisti mancanza di una lista prescrittiva desiderabili che potrebbero garantire la credibilità del loro lavoro. È per questo che Julian Schnabel ha abbellito le mappe marittime nella sua nuova serie "Navigazione disegni," 2007? Sono grafico, dare direttive, proscrivere. Poi di nuovo, le mappe, come appartamenti fase Kabuki, linoleum cucina, teli usurati, e cocci di ceramica, sono stati a lungo un fiocco di suoi disegni.

Alcuni disegni sono resi su vecchie mappe di Stanford, il tipo che sono stati appesi sui muri rulli aula predigital. Qui, le mappe sono state finora tirato giù come a rivelare la loro porta bugrane-che sono anche incorporati i disegni, il loro colore precedentemente nascoste grigio-blu ora giocando cielo al paesaggio / metafora marino "(insenature, sondaggi, braccia, le isole, coste, latitudine, longitudine). Le carte raffigurano luoghi esoterici con nomi sensazionali: De Adra uno Cabo de San Antonio de Cabo y Tres Forcas uno IVI Cabo, Punta Eugenia a Cabo de San Lázaro, Bahia de Cadiz, Point Conception to Point Sur-siti di farro grande tappi romano che aggiungere un peso libero-associativo per i dipinti, come il quotidiano frammenti catturati nella cera di encaustics Jasper John. John Le mappe sono anche un punto di partenza. Ma John non è espressionista.

Lo scopo del disegno espressionista è ambigua. Per il classicista, disegnando servita come studio preparatorio per un dipinto ideale ancora venire. Per il espressionista, disegno stesso è il primo dipinto creato "sur le vif", prodotte per mezzo estemporaneo quel salto di mente e la mano, sia che si tratti a matita, pennello, pastello, collage, trovato a terra. I risultati possono riguardare una immagine successiva, che sia perfetta o imperfetta. Il espressionista stabilisce il nuovo standard di giudizio con ogni sortita. Diversa da quella di gusto personale e convinzione, non ci sono concordati i principi del giudizio estetico dell'arte espressionista. Mi piace. Non mi piace. Schnabel è notoriamente non è estranea alla condanna intrattabile. Eppure, le tracce di impulso propulsivo possano diventare modelli di gusto e stile-pensare van Gogh, Beckmann, Pollock, pensa Schnabel. Il castagno che espressionisti non possiedono la coscienza di editing è quindi sospesa, se non smentite. Chi può dirlo?

Schnabel disegni di conservare l'avviso timbrato NON DA UTILIZZARE PER LA NAVIGAZIONE, essa stessa una provocazione, scatenando le mozioni e contromozioni, dando inizio al processo di verniciatura. La pagina bianca è un anatema per Schnabel, il classicismo, è piatto di casa base. Le stranezze topografiche e tipografiche delle mappe nautiche di creare un percorso visivo ostacolo, generando nuove forme e modelli che l'artista abbraccia intuitivamente o da cui si restringe, comprende o sradica, lascia intatti o spazza via nella sua tavolozza spesso umida. tocco sconcertato di Schnabel è diventata un'opzione identificabile nel repertorio della pennellata moderno, per molti, è il tocco da emulare. Un tocco certi scansafatiche post-Polke, adottata da pittori di Martin Kippenberger ad Albert Oehlen, sembra pertinente a questa disaffezione, anche se Schnabel è tanto un collaboratore del modo come egli è beneficiario. Allo stesso modo, le varianti americane nel lavoro di Jean-Michel Basquiat e George Condo facilmente vengono in mente, anche se in un modo o nell'altro tutti, compreso se stesso Schnabel, si rifanno a Cy Twombly.

Schnabel ha sviluppato uno stock peculiare caratteristica delle forme: una forma toplike suggestivo di una figura umana, una formazione tau, spesso obliterato al momento in cui l'elemento verticale della T incontra la barra orizzontale; semplici croci. (In un gruppo di opere piuttosto leggeri, questi disegni croce sento come un esercizio ascetico di ritenuta, un desiderio raro da parte del pittore di mantenere il lavoro fresco e il tocco leggero.) Akin per le croci, c'è anche un Passel di parallelo ictus o bar. E certi tratti può essere spinato o appuntiti, suggestivi della bailinghook iniziale del nome dell'artista. Ho fatto a meno di menzionare che espressionisti sempre dipingere autoritratti?

- Robert Pincus-Witten