Evan Penny_arte_trasalimenti

Facile spettacolo. effetti speciali di Hollywood. Tecnica per il bene della tecnica. Non si può negare che tutti questi sembra probabile, le reazioni credibili per le figure in silicone ultrarealistic di Evan Penny. (Opere di Duane Hanson e Ron Mueck sembra impressionistico tramite il confronto.) Ma anche se un occhio immune da spettacolo e le imbarcazioni possono trovare queste opere interessanti. Ciò potrebbe essere dovuto al fatto, per tutte le splendide tridimensionalità che sembra così centrale per loro, il referente reale di questa scultura è la fotografia. Risulta fondamentale esperienza pittorica della nostra cultura in un unico materiale.
"Grande Murray," 2008, un tipico Penny, presenta il torso nudo di un magro, coda di cavallo, maschio cinquanta-qualcosa, realisticamente fondono per ogni suo capello, talpa, e la traccia di stoppie. Alle otto metri di altezza, che schiera il tropo tipicamente fotografico di ampliamento.

 E 'anche il tempo di arresti proprio come fa una foto, facendoci contemplare il dettaglio in un mondo che appare come dovrebbe muoversi. Come una fotografia - e diversamente da opere di Hanson o Mueck - i bordi arbitrario del raccolto scultura un segmento dalla realtà: i tagli pavimento della galleria attraverso il corpo di Murray appena sotto la pancia, le braccia, sciolti lungo i fianchi, sono tagliati fuori ai polsi.

 Infine, per tutto ciò che è nettamente a tutto tondo, "Large Murray" presenta il mondo a noi dal punto di vista singolare della fotografia: Murray sembra perfettamente reale di fronte, come fa da dietro, ma cercate di vedere lui dal lato e sembra appiattita.
 

Nonostante le prime impressioni, Penny non distribuisce la sua tecnica impressionante tradizionale effetto realistico. Dando una presenza materiale per la fotografia, egli richiama l'attenzione tanto alla realismo lacune in merito alle proprie plenitudes.
 
- Blake Gopnik

Piero Manzoni_arte_trasalimenti

Già nel 1960, l'artista italiano Piero Manzoni ha dichiarato che non riusciva a capire perché ancora i pittori si sono posizionati davanti ai loro tele "come se fosse una superficie da coprire con colori e forme". Quarantacinque anni dopo, i pittori sono ancora appesi su tavola tra pittura e tela, ancora più preoccupanti i loro colori e le forme stupido stupido.
Manzoni preferito attenersi panini o palline di polistirolo poco per le sue tele. Talvolta egli coprire la superficie con tela anche di più, rucked e strettamente a pieghe, o tagliati in piccoli rettangoli, per fare le griglie che sembrava pieghe. Poi si immergere il tutto in una poltiglia caolino porridgy, come una sorta di sostituto per l'atto del dipingere, imbalsamazione tutta la superficie in una brina bianco sporco farinoso. Il mite, caolino bianco latte mi ricorda, inevitabilmente, del viso in polvere di una commedia dell'arte Pierrot, o come il volto bianco-vernice della straziante mimo Marcel Marceau. Manzoni Achromes sono essi stessi una sorta di atto di mimo, pantomima tragicomica della pittura. Alcuni dei suoi Achromes più tardi sono stati goûts birichino di colore bianco lucido, fibra di vetro, si appendono nelle loro cornici boxy come manciate di santa barba di Babbo Natale.
Quando li vedi subito, Manzoni Achromes sguardo quasi bella, una volta divertente o provocatorio, ora sono teneri, pallido e struggente. morte prematura di Manzoni per un attacco cardiaco nel 1963, all'età di 30, composti il senso della fragilità e della mortalità sua arte così spesso manifestato. Non riesco a guardare le scatolette firmate e numerate di merda in scatola di Manzoni, o palloncini, ora sono morti una volta ha riempito il suo stesso respiro, senza essere a conoscenza di esso.

Sabato scorso Tate Modern di Londra ha aperto oltre la pittura, una piccola rassegna di tre stanze dedicate a Manzoni, Alberto Burri e Lucio Fontana, i tre più importanti artisti italiani degli anni 1950 e 1960. Curata dalla collezione della Tate, e con un notevole numero di prestiti, la mostra rimane per un anno. Questo è più di un semplice display. Spesso è meglio guardare un minor numero di opere d'arte piuttosto che molti, per ricordare che le questioni ancora in singolare. Manzoni fu il più giovane dei tre artisti, ognuno dei quali sono morti entro un anno o due l'una dall'altra. Sia lui che Lucio Fontana hanno avuto importanti mostre britannici negli ultimi dieci anni (alla Serpentine e Hayward), mentre il terzo, Alberto Burri, è quasi del tutto scomparso dalla coscienza pubblica in Gran Bretagna.
Gruppi, fazioni e manifesti sono stati parte integrante della scena italiana del dopoguerra artistico. Ma, Burri, Fontana e Manzoni erano più un'affiliazione allentato di un gruppo, molto meno di una generazione. Sembrano non aver creduto abbastanza in le stesse cose. Come se in contraddizione con Manzoni, Alberto Burri ha detto: "Vedo la bellezza e questo è tutto ... Forma e spazio:. Queste sono le qualità essenziali che contano"

Come con l'arte di Manzoni, è più facile vedere queste qualità nel lavoro di Burri ora rispetto a quando è stato fatto, dalla fine del 1940 fino alla metà del 1960, anche se io sono più attratto da i materiali e le cose che ha fatto a loro, piuttosto rispetto alle loro modalità formali o, anzi, lo spazio. Da vicino, la bellezza non è la prima cosa che viene in mente. I suoi materiali - vecchio saccheggio, pannelli di fibre a basso costo, impiallacciature scheggiata e materie plastiche spogliato - sono volutamente infelice, le cose che ha fatto a loro - bruciore, lacrimazione, piercing e così via - estremi. E tuttavia, si desidera avvicinarsi all'arte di Burri, quasi a strofinare il naso in esso.
Più ci si stand a loro, più di Burri agglomerati di vecchio sacco di iuta, impiallacciature di legno tagliato e saldato lastre di ferro, bruciato e plastica bruciata e ti fanno pensare al corpo. Si è formato come medico, e ha lavorato nel settore in quanto tale, prima della sua cattura e l'internamento come prigioniero di guerra negli Stati Uniti; la sua arte fa frequenti allusioni a ferite, suture e deturpazioni. Essa ha anche un sottotesto politico: ha iniziato a lavorare con saccheggi, mentre un detenuto in Texas. (Nel catalogo, Renato Miracco chiama questo campo di prigionieri di guerra un "campo di concentramento". Sono sicuro che questo è fuorviante.)
Nelle rovine del dopoguerra povera Italia, un sacco potrebbe essere una coperta, un borsone, una tenda, un bendaggio, canovaccio per un calco in gesso o un sudario di fortuna. Burri licenziamento anche fatto riferimento ai sacchi di prodotti alimentari inviati in Italia come parte del programma di aiuti Marshall. Saccheggio è il tessile più impervi e più primitivo di. Riammaglia e riparato, o impregnati di sporcizia (di essere trascinati, o di sostegno, nelle sue fibre, le tracce del suo contenuto originale), è stato anche una parodia delle belle lenzuola e gli Juti di tela dell'artista.

I fogli di impiallacciatura di legno che Burri bruciati, anneriti, irrimediabilmente danneggiato e mancato di rispetto, sono anche il risultato di un atto mostruoso o barbarie. Si pensa della guerra e della violazione, e si pensa di pittura. Più tardi Burri ha cominciato a utilizzare le materie plastiche in polietilene ed altri - i materiali del boom industriale ed economico in Italia alla fine del 1950 e 1960. Un foglio di rappreso, fumo colorato, di plastica trasparente in difficoltà, appeso in una cornice che pende liberamente nel centro della galleria, ricorda strati di pelle, bruciature, ferite. Ma, da vicino, è anche come delicato e frangibile come un acquerello o una foglia esotica. Altrove, un foglio di plastica rossa, con grossi buchi bruciati in esso, si rivela sontuosa e terribile, come interiora esposte.
Così anche con tele scavato, allo spiedo e tagliate di Fontana. Righe di tagli di rasoio in un look tela come una sorta di scrittura, e la bocca come, vagine. Fontana, come il Manzoni, aveva un tocco impeccabile e sentire per i materiali. Non ha mai visto il suo taglio e tagliente come distruttivo, ma qualcosa di fatto "in modo da scoprire". Ma per scoprire che cosa? Lo spazio tra tela e parete, per recuperare la sensazione di guardare se stessa ING è un tipo di piercing, o di taglio? Parliamo, in fondo, su uno sguardo penetrante. Non è questo ciò che un pittore, porta a una tela, e non facciamo lo stesso?
A volte Fontana avrebbe tagliato in una tela ancora bagnata di vernice, e andare oltre la superficie forata con vernice ancora di più, fino ad assumere l'aspetto di un organismo nel processo di guarigione. In altri tempi e scatterings righe di fori perforato assunse l'aspetto di una bomboletta spray di arma da fuoco automatica su un muro. Oppure si prende una tela dipinta e piattamente rasoio con una fenditura lunga, attraverso il quale egli avrebbe gentilmente passare le dita, per tirare a parte i bordi. Il sessuale è inevitabile in arte di Fontana, insieme al escrementizia e la violenta. Il fatto che le opere di tre artisti tutti qui fanno venire in mente la parola bellezza è preoccupante. Oppure sono io?

Manzoni, Fontana e Burri può essere visto come precursori dell'arte povera, i cui operatori si stavano mai meno di eleganti nella loro uso di oggetti e materiali, o inconsapevole sulle associazioni di metaforico e simbolico di ciò che hanno fatto. Saccheggio e incendio avrebbe poi girate nelle opere di Jannis Kounellis, uno pensa anche di dipinti di Yves Klein fuoco, i disegni bruciati e bruciato di Antonin Artaud, in cui l'atto di bruciare era una specie di maledizione, un assalto, sulla ritratti e figure tratte che ha sfigurato con i fiammiferi e sigarette accese, mentre nel manicomio di Rodez durante la seconda guerra mondiale. Forse quello che Artaud ha fatto è stato inteso non come arte a tutti. Guardando oltre la pittura, si pensa di torture reali, allora come oggi, così come le cose che la gente infliggere a se stessi, gli uni sugli altri, e gli artisti cose fare per rendere il loro lavoro. Non si può tenere il mondo fuori, ma poi non hai mai potuto.
- Adrian Searle

Mattia Moreni al MAR Museo d'arte della città di Ravenna

L’Italia s’è desta 1945-1953
Arte in Italia nel secondo dopoguerra,
da De Chirico a Guttuso a Moreni, da Fontana a Burri

Curatore:Claudio Spadoni
Sede:  MAR Museo d’Arte della città di Ravenna
Enti organizzatori: Comune di Ravenna - Assessorato alla Cultura,MAR Museo d’Arte della città
Periodo: Ravenna, 13 febbraio -  26 giugno 2011
Catalogo:Società editrice Umberto Allemandi & C. S.p.A.
Sponsor ufficiale:Fondazione Cassa di Risparmio di Ravenna

Sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica Italiana Giorgio Napolitano

Patrocini:Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Regione Emilia-Romagna e Provincia di Ravenna
Con il sostegno di: Enipower, Coop Adriatica e CMC – Cooperativa Muratori Cementisti

Julian Schnabel_arte_trasalimenti

Ora, per alcune esagerazioni enorme e paradossi imprudente: Il astrattista di persuasione Minimalista dipinge sempre la stessa immagine, l'astrattista di Bent espressionista dipinge sempre uno diverso. Il primo funziona in un mondo che ha ricevuto di concordato-on perfezioni; le nuotate quest'ultimo nelle acque selvagge di intuizione e di congetture. Espressionisti mancanza di una lista prescrittiva desiderabili che potrebbero garantire la credibilità del loro lavoro. È per questo che Julian Schnabel ha abbellito le mappe marittime nella sua nuova serie "Navigazione disegni," 2007? Sono grafico, dare direttive, proscrivere. Poi di nuovo, le mappe, come appartamenti fase Kabuki, linoleum cucina, teli usurati, e cocci di ceramica, sono stati a lungo un fiocco di suoi disegni.

Alcuni disegni sono resi su vecchie mappe di Stanford, il tipo che sono stati appesi sui muri rulli aula predigital. Qui, le mappe sono state finora tirato giù come a rivelare la loro porta bugrane-che sono anche incorporati i disegni, il loro colore precedentemente nascoste grigio-blu ora giocando cielo al paesaggio / metafora marino "(insenature, sondaggi, braccia, le isole, coste, latitudine, longitudine). Le carte raffigurano luoghi esoterici con nomi sensazionali: De Adra uno Cabo de San Antonio de Cabo y Tres Forcas uno IVI Cabo, Punta Eugenia a Cabo de San Lázaro, Bahia de Cadiz, Point Conception to Point Sur-siti di farro grande tappi romano che aggiungere un peso libero-associativo per i dipinti, come il quotidiano frammenti catturati nella cera di encaustics Jasper John. John Le mappe sono anche un punto di partenza. Ma John non è espressionista.

Lo scopo del disegno espressionista è ambigua. Per il classicista, disegnando servita come studio preparatorio per un dipinto ideale ancora venire. Per il espressionista, disegno stesso è il primo dipinto creato "sur le vif", prodotte per mezzo estemporaneo quel salto di mente e la mano, sia che si tratti a matita, pennello, pastello, collage, trovato a terra. I risultati possono riguardare una immagine successiva, che sia perfetta o imperfetta. Il espressionista stabilisce il nuovo standard di giudizio con ogni sortita. Diversa da quella di gusto personale e convinzione, non ci sono concordati i principi del giudizio estetico dell'arte espressionista. Mi piace. Non mi piace. Schnabel è notoriamente non è estranea alla condanna intrattabile. Eppure, le tracce di impulso propulsivo possano diventare modelli di gusto e stile-pensare van Gogh, Beckmann, Pollock, pensa Schnabel. Il castagno che espressionisti non possiedono la coscienza di editing è quindi sospesa, se non smentite. Chi può dirlo?

Schnabel disegni di conservare l'avviso timbrato NON DA UTILIZZARE PER LA NAVIGAZIONE, essa stessa una provocazione, scatenando le mozioni e contromozioni, dando inizio al processo di verniciatura. La pagina bianca è un anatema per Schnabel, il classicismo, è piatto di casa base. Le stranezze topografiche e tipografiche delle mappe nautiche di creare un percorso visivo ostacolo, generando nuove forme e modelli che l'artista abbraccia intuitivamente o da cui si restringe, comprende o sradica, lascia intatti o spazza via nella sua tavolozza spesso umida. tocco sconcertato di Schnabel è diventata un'opzione identificabile nel repertorio della pennellata moderno, per molti, è il tocco da emulare. Un tocco certi scansafatiche post-Polke, adottata da pittori di Martin Kippenberger ad Albert Oehlen, sembra pertinente a questa disaffezione, anche se Schnabel è tanto un collaboratore del modo come egli è beneficiario. Allo stesso modo, le varianti americane nel lavoro di Jean-Michel Basquiat e George Condo facilmente vengono in mente, anche se in un modo o nell'altro tutti, compreso se stesso Schnabel, si rifanno a Cy Twombly.

Schnabel ha sviluppato uno stock peculiare caratteristica delle forme: una forma toplike suggestivo di una figura umana, una formazione tau, spesso obliterato al momento in cui l'elemento verticale della T incontra la barra orizzontale; semplici croci. (In un gruppo di opere piuttosto leggeri, questi disegni croce sento come un esercizio ascetico di ritenuta, un desiderio raro da parte del pittore di mantenere il lavoro fresco e il tocco leggero.) Akin per le croci, c'è anche un Passel di parallelo ictus o bar. E certi tratti può essere spinato o appuntiti, suggestivi della bailinghook iniziale del nome dell'artista. Ho fatto a meno di menzionare che espressionisti sempre dipingere autoritratti?

- Robert Pincus-Witten

JAN WORST_arte_trasalimenti

Jan Worst fatto il suo nome nei primi anni novanta con i suoi dipinti di interni opulenti abitato da donne languide, spesso accompagnate da bambini annoiati al futuro. Si tratta di dipinti in cui è sempre estate: una di quelle estati soffocante di agosto della varietà molto più lento, in cui ogni minuto sembra un'ora, ogni ora una vita ... ho sempre trovato la caratteristica più affascinante dei peggiori di lavoro la combinazione di credibilità con artificialità. A prima vista, sembrano essere fedeli rappresentazioni realistiche di eventi reali, una più accurata analisi sembrano essere costituiti da elementi fortemente eterogenei, un po 'come un collage. Nei suoi dipinti più tardi, questi elementi sono più strettamente integrata da una più fine, la tecnica più precisa. Eppure, la sensazione di alienazione e di mistero resta, anche se solo attraverso il posizionamento favoloso dei protagonisti e delle loro pose artificiose. La loro bizzarra, il comportamento quasi autistico smentisce la rispettabilità degli interni. Eppure spostare questi 'attori' non ingombrante e imperioso all'interno del proprio territorio, dimostrando che essi hanno il diritto assoluto di fare qualsiasi loro piacimento.

A testimonianza di questo procedimento, lo spettatore è spinta nel ruolo di voyeur, di fronte a un mondo che non conoscevi l'esistenza - e il mondo sconosciuto, che non doveva, non deve, vista - ma uno è costretto da un'indagine della natura. Quali sono quelle persone che stanno facendo lì? Che tipo di mobili strana è che? Qual è il contenuto di quei libri sugli scaffali - o sono solo manichini? E che cosa allegorie sviluppano nell'ambito del arazzi sul muro? Si tratta di un mondo scomparso - o un mondo ancora da venire? O sono queste scene che si svolge proprio dietro l'angolo, a nostra insaputa? Nel corso degli anni, senza senso molto è stato scritto sui dipinti di Jan peggio. O, almeno, ci sono molti luoghi comuni che i vari scrittori sembra avere involontariamente copiato da loro.

Uno dei più ostinato 'osservazioni' è che i quadri sono una sorta di commentare il "dolce far niente" dei ricchi oziosi: la noia 'yuppydom' che sono emersi a metà degli anni ottanta e che prevedeva belli, ricchi giovani con lontano troppi soldi e troppo tempo sulle loro mani. Questo punto di vista convenientemente ignora il fatto che, mostrando tali figure rivista patinata nel loro ambiente esuberante e storico, i dipinti di fatto dimostrano una grande nostalgia per la bellezza, equilibrio, armonia, conoscenza e decoro.

Che nostalgia, e in particolare qualsiasi espressione della stessa, sembra essere un tabù per l'arte contemporanea, prima lungo la dura accusa di 'accademismo' sarà fatto - "arte per l'arte" e l'edonismo puro. L'omaggio quasi sfacciato al bello in realtà è uno degli aspetti più caratteristici e potente delle peggiori di lavoro: l'aria lieve di malinconia sembra di portare a casa per lo spettatore che egli testimonianza di una forma di rispettabilità di grazia che è minacciato di estinzione. Visto in questa luce, i dipinti diventano un motivo di consapevolezza, di spiritualità e civiltà, piuttosto che un semplice commento superficiale su un fenomeno puramente temporale.

Nella sua prima lettera, Jan Worst ha scritto:
"La mia dea Ijsbrand,
Per quanto riguarda i miei quadri, ritengo che i seguenti punti importanti:
- I miei dipinti sono una dichiarazione personale. Io non sono un pittore che si sente alleato di qualsiasi movimento particolare.
- Il mio lavoro è influenzato più di ogni altra cosa dal cinema degli anni sessanta e settanta. Io tendo a non guardare tanto gli altri quadri ', anche se ci sono dei pittori corso che stimo (Balthus, Klossowski, Max Beckmann).
- Come sapete, negli ultimi anni sono stato dipinto non solo donne e bambini, ma anche gli uomini - gli uomini più anziani. Ciò ha portato gli incontri visto nei miei quadri sempre più complessi.
Con i migliori saluti, Jan
PS Ho incluso alcuni dei miei scritti, che si possono trovare illuminante ".
Molti passaggi da le note all'interno mi ha colpito come particolarmente rilevanti:
"Vorrei descrivere la mia posizione come un ibrido uno. Essa rientra tra rigide pittura accademica, da un lato, e dall'altro una forma d'arte che si appropria cinicamente tutto il possibile utilizzo. "
Questa osservazione solleva ancora una volta le qualità collage-come del dipinto. Abbastanza vero, Jan Worst fa uso di qualsiasi cosa e tutto come materiale per i suoi dipinti - foto delle vacanze, le fotografie da riviste di moda, gli interni mostrato in riviste di architettura - ma al tempo stesso, seleziona e manipola questi frammenti, ora rimosso dal loro contesto originale, a tal punto da assumere una nuova unità. All'interno i dipinti, il materiale viene utilizzato per realizzare una 'metamorfosi poetica,' uno che è personale al limite.

Scrive, inoltre, che i suoi quadri sono fondamentalmente "rappresentazioni delle riproduzioni ':
"A differenza della pittura, la fotografia presenta solo una disposizione dei simboli, senza vita, non una scena di vita reale. Nella fotografia, l'essenza è un singolo momento - ciò che manca è il fattore tempo. In un dipinto, questo fattore tempo è e deve essere presente ".
Questa è naturalmente una critica della fotografia fatta in nome della pittura. Questo passaggio mi ha ricordato il 'tocco umano' essere visto in pittura. Quando si scatta una fotografia, è la macchina che registra il momento decisivo, mentre in pittura non esiste una cosa come un 'momento decisivo' - un dipinto è, dopo tutto, una concatenazione di decisioni umane, all'interno del quale la componente tempo assente in la fotografia è di essere trovati.

Una fotografia registra una situazione in una frazione di secondo: un incidente. Una pittura, tuttavia, è creato: un processo. Un'altra distinzione importante è l'uso della luce - certamente se si considera Jan Worst's 'illuminazione cinematografico.' Un fotografo utilizza la luce, sia naturale che artificiale, mentre un pittore deve creare la luce. Questo ci porta ad affermare che peggio di illuminazione cinematografica è semplicemente 'deriva' da alcuni film - non riesce a copiare esattamente. Anche qui si vede il tocco umano in evidenza.
"I miei quadri rivelare l'influenza del cinema italiano neorealista e ai film della Nouvelle Vague. Sta tentando di tracciare un confronto tra i bambini nei miei quadri e quelle del film di De Sica e Truffaut - tra le mie stanze e quelle di Visconti - tra i miei personaggi e quelli alle prese con il passato nei film di Antonioni, o The Drifters senza meta di Alain Resnais 'L'Annee Derniere uno Marienbad. [...] Nei miei quadri è impossibile fare una netta distinzione tra realtà e fantasia, tra l'oggettivo e il soggettivo, tra il fisico e il mentale, tra il reale e il virtuale ".

Jan Worst I dipinti sono come fotogrammi di un film inesistente, scene congelato da una storia sconosciuta e inconoscibile che pongono domande senza risposta. Che cosa sta succedendo qui? Che in nome del cielo, si è verificato prima di questa scena? Che cosa accadrà collegare? I dipinti non sono, da un lato la realtà in un piatto - deve essere svelato, cercato. Come un regista, posti peggiori suoi protagonisti contro la macchina dello spettacolo, organizza la sua illuminazione e assembla i puntelli che sono così importanti per l'atmosfera. E 'in questa' direzione 'che dobbiamo cercare la realtà nei suoi dipinti, ogni componente è una metafora per il modo in cui nel mondo occidentale scegliere di progettare le frazioni e le nostre vite. In tutti fuori della società moderna è costretta (così sembra) per diventare il direttore della propria vita e delle proprie fantasie. L'abbondanza di opzioni e la velocità con cui si può "zapping" in tutto il mondo - sia letteralmente che figurativamente - ci costringe a costruire strutture con elementi del tutto eterogenei, su cui dobbiamo quindi dare una sorta di unità.

Eppure non rimane quasi nessuna situazione che non ha in qualche momento sono ricostruiti dai media in un modello di essere inamovibile impiantato nel nostro subconscio. Involontariamente si deve 'diretti' la nostra vita secondo l'immagine sottoposta su di noi dai media. Come Susan Sontag, una volta sottolineato, quando vediamo un tramonto non diciamo, "guarda che bello!", Abbiamo nudge l'un l'altro e dire "guarda! - È proprio come una cartolina illustrata" L'illustrazione è l'imitazione che ha soppiantato realtà.

 In un ultimo tentativo per conservare o conquistare la nostra presa sulla realtà, abbiamo progressivamente venuto a imitare solo le illustrazioni, non la realtà. Questo è l'aspetto della vita contemporanea che Jan Worst così sottilmente escogita per usare nei suoi dipinti. Dirige la realtà e la sua rappresentazione e li combina in una totalità che ha un significato completamente nuovo.